peintres

                                                       L'Ange déchu (Cabanel 1847)

L'Ange Déchu d'Alexandre Cabanel est une des plus célèbres oeuvres exposées au musée Fabre de Montpellier. Devant sa force et sa poésie, on se demande pourquoi elle n'a pas été retenue pour l'exposition "L'ange du Bizarre" présentée au musée d'Orsay...

Le romantisme du tableau avec ses contrastes d'ombre et de lumière permet d'imaginer quel grand peintre aurait pu être Cabanel s'il n'avait cédé à la mode "pompier" du Second Empire et s'il avait persévéré dans son inspiration.

Il peint cette toile alors qu'il est pensionnaire à la Villa Médicis et doit envoyer des oeuvres imposées dont une académie de nu masculin.

Il s'inspire alors du "Paradis Perdu" de Milton pour peindre cette chute de l'ange qui s'est rebellé contre Dieu. Pour le poète, il s'agit de Lucifer (le porteur de lumière) assimilé à Satan.

L'ange est exilé sur terre. Il est assis sur des roches sombres où serpentent comme une annonce de ses métamorphoses, des plantes sinueuses et noires qui se dessèchent.

Il est peint comme un héros grec, comme un dieu au corps parfait. Il reste "le plus beau des anges". Il lève la tête et regarde la terre de son exil. Son regard est à la fois tragique avec cette larme qui tremble sous la paupière et dynamique avec cette pupille qui s'éclaire et observe... Ce regard de défi, la chevelure de flammes font comprendre que l'ange ne restera pas longtemps terrassé. Il prépare déjà sa vengeance...

Ses ailes s'assombrissent, elles perdent peu à peu leur blancheur lumineuse, elles s'éteignent et meurent, comme des branches qui vont tomber de l'arbre.

L'ange est à la fois douleur (larmes, mains serrées) et mouvement. Il s'éveille, encore douloureux. Ses bras vont s'ouvrir. Il va se mettre debout. Sa métamorphose est en cours, comme celle d'une fleur fermée qui s'ouvrirait...

Il a été chassé, humilié mais il n'y a aucun repentir en lui. Comme un amant rejeté qui n'espère plus être aimé, il est habité par une souffrance si grande qu'elle ne peut mener qu'au suicide ou à la vengeance. Et l'on comprend que c'est la vengeance qu'il a choisie...

Les anges fidèles s'enfuient dans le ciel où baisse la lumière. Ils délaissent celui qu'ils admiraient. Ils sont fidèles et pâles. Ils ont comme si souvent dans la peinture, la littérature ou la musique, la fadeur et la banalité de la morale dominante...

Satan déchu est plus beau, souffrant et vivant, plus fascinant que le troupeau bêlant des anges fidèles!

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Liens : Montpellier et région :

Jean Cousin. La Charité. Musée Fabre. Montpellier.

Karl Lehmann. Sainte Catherine d'Alexandrie. Musée Fabre. Montpellier.

Les cariatides et les atlantes de Montpellier. (1)

Cariatides et atlantes de Montpellier (2)

Aigues Mortes. La Chapelle des Pénitents Gris. (1)

Aigues Mortes. La Chapelle des Pénitents Gris. (2)

Trompe l'oeil. place Saint Roch. Montpellier

Le Mikvé de Montpellier. Témoin juif du Moyen-Âge.

Arc de Triomphe du Peyrou. Montpellier.

Cathédrale de Maguelone. Les vitraux. (1) extérieur. Bleu. Robert Morris.

Cathédrale de Maguelone. Vitraux (2) Intérieur. Bleu. Robert Morris.

Cathédrale de Maguelone. (3) Vitraux. Intérieur. Jaune. Robert Morris.

Jean jacques Henner. Le bon Samaritain. Musée Fabre Montpellier.

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                                       La Charité. (1540-1545) Jean cousin (le Père). Huile sur bois.

Voici une oeuvre exceptionnelle, un des joyaux du musée Fabre de Montpellier et qui mériterait d'être mise en valeur plus qu'elle ne l'est actuellement.

Exceptionnelle parce qu'elle est l'un des rares tableaux de Jean Cousin père (1490-1560) dont l'Eva Prima Pandora du Louvre est célèbre et reste l'une des oeuvres emblématiques de la peinture française de la Renaissance (selon certains, le premier nu de la peinture française).     

L'influence de l'Italie, notamment des peintres de l'Ecole de Fontainebleau Rosso et Cellini y est manifeste.

La femme, allégorie de la Charité, est assise avec élégance sur son lit, presque nue, les bras ouverts..

Son corps aux formes pleines est d'une pâleur étrange.

Trois enfants se pressent contre elle.  Une meute vivace et affamée qui n'est pas sans évoquer un hallali!

Entre le fond de l'alcôve et les enfants qui s'accrochent à elle, elle est empêchée de bouger, de s'évader vers la campagne grise.

L'un des enfants emporté par son élan a les cheveux qui volent au vent...

Il enserre de ses bras le cou de la femme et il murmure à son oreille...

Elle semble surprise, son regard s'agrandit et se fige...

Son sévère profil grec s'oppose à la rondeur des formes de son corps...

A l'arrière plan, se développe un paysage en grisaille (influencé par le "sfumato" de Léonard de Vinci) une ville au pied des montagnes...

Un deuxième enfant s'approprie un sein qu'il tète goulument. 

Le troisième un doigt dans la bouche regarde l'autre sein et s'apprête, tenu par la main protectrice, à s'y arrimer...

Etrange représentation de la Charité comme d'une mère, victime consentante de la voracité de ces trois petits mâles.

La sensualité de la poitrine offerte, du tissu qui glisse entre les jambes, des oreillers au fond de l'alcôve donnent à cette oeuvre sa trouble fascination... Le désir masculin s'identifie sans mal aux enfants qui ressemblent aux amours ou aux angelots et dont la bouche pourrait être celle d'un amant.

Comment ne pas remarquer le vase ouvert posé devant la femme. On le retrouvera dans l'Eva Prima Pandora peinte quelques années plus tard, avec sur son col, la main nonchalante de celle qui en a laissé s'échapper les maux et les fléaux qui ravagent l'humanité.

Tableau étrange, raffiné et cruel, qui donne une image fantasmée de la femme qui, pour les hommes qu'elle fascine, est à la fois la cause de leurs malheurs et le remède...

L'allégorie de la Charité (un autre nom de l'amour) prend ici double sens : l'offrande totale de soi comme celle de la mère à ses enfants et l'abandon de la maîtresse à son amant...

La femme est Pandore, Eve, la Vierge, la Charité...

Elle est la tentatrice, l'amante, l'épouse, la mère...

Celle qui donne et se donne...

Source unique de la Vie et donc de la Mort...

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      Liens : Montpellier et région

Alexandre Cabanel. L'ange déchu. Musée Fabre Montpellier.

Karl Lehmann. Sainte Catherine d'Alexandrie. Musée Fabre. Montpellier.

Cariatides et Atlantes de Montpellier. (1)

Cariatides et Atlantes de Montpellier (2)

Aigues Mortes. La Chapelle des Pénitents Gris. (1)

Aigues Mortes. La Chapelle des Pénitents Gris. (2)

Trompe l'oeil. place Saint Roch. Montpellier

Le Mikvé de Montpellier. Témoin juif du Moyen-Âge.

Arc de Triomphe du Peyrou. Montpellier.

Cathédrale de Maguelone. Les vitraux. (1) extérieur. Bleu. Robert Morris.

Cathédrale de Maguelone. Vitraux (2) Intérieur. Bleu. Robert Morris.

Cathédrale de Maguelone. (3) Vitraux. Intérieur. Jaune. Robert Morris.

Jean jacques Henner. Le bon Samaritain. Musée Fabre Montpellier.

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Liens: école de Fontainebleau : Renaissance

      Pince téton. Gabrielle d'Estrées et sa soeur.

     Fontevraud. Fresques de Thomas Pot. 

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Liens : étude de tableaux :

Chagall. Abraham et les Anges. L'hospitalité.

Gudin Théodore. Rochefort. Musée Hèbre de Saint Clément. Goélands.

Laemlein.Vision de Zacharie. Rochefort. Musée Hèbre de saint Clément. Les 4 chars.

Omer Charlet. Orphelines de la mer. Rochefort. Musée Hèbre de saint clément.

Saint Sornin. Eglise. Fresques XVIIème siècle(1)

Paravent Japon. Edo. Ecole Hokusai. Neuf femmes jouant au jeu du renard.

Paravent Japon. Ecole Edo. Courtisanes sous les saules pleureurs. Musée Guimet. Tankosai Fujiwara Arinobu.

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                                            La Souris métamorphosée en fille

L'idée de demander à Chagall d'illustrer les Fables de La Fontaine, revient à Ambroise Vollard.

Il passe commande de ces gouaches, une centaine, en 1925. Chagall y travaille de 1926 à 1927. 

Dispersées au cours d'expositions dans les galeries, elles sont aujourd'hui chez de nombreux particuliers... Certaines ont purement et simplement disparu.

                                                    L'Ours et l'amateur des jardins

De nombreux critiques se sont montrés sévères devant ces petits "tableaux" colorés. Pour eux le fabuliste classique avait été interprété sans harmonie par un artiste slave incapable de rendre la précision de la langue et l'ironie du poète français...

                                               La Vieille et les deux Servantes

Il y avait parfois chez ces grognons un relent de racisme et ce qui ne vaut guère mieux d'insensibilité...

Ils n'avaient pas compris à quel point la fantaisie et l'imagination de La Fontaine trouvaient leur traduction dans la fantaisie et l'imagination de Chagall.

 Les dessins du peintre comme les vers du poète y étaient entourés d'un espace où  l'on pouvait voyager et rêver... 

                                                          Le Cygne et le Cuisinier

"Il allait l'égorger, puis le mettre en potage.        

L'oiseau, prêt à mourir, se plaint en son ramage." (...)

                                                                     La perdrix et les Coqs

"Parmi de certains coqs incivils, peu galants,

toujours en noise et turbulents,

Une perdrix était nourrie."

                                          La Grenouille qui se veut faire aussi grosse que le Boeuf

"Une grenouille vit un boeuf

Qui lui sembla de belle taille."

Etonnante composition où il faut chercher le vaniteux batracien, minuscule, dans le bas de la gouache... 

                                                L'Âne chargé d'éponges et l'Âne chargé de sel

L'âne bleu dont le sel a fondu regarde se noyer l'âne vert que l'ânier a chargé d'éponges... Le seul "âne" de l'histoire est ce vilain bonhomme qui garde son chapeau...

                                                                      Le Loup et l'Agneau

"Un agneau se désaltérait

Dans le courant d'une onde pure.

Un loup survient à jeun, qui cherchait aventure," (...)

Entre l'herbe bleue comme le ciel et l'eau grise, Le loup campé sur ses pattes, la gueule ouverte semble saisir l'agneau aux grands yeux ouverts. Le corps du prédateur se reflète dans la rivière où celui de la victime n'est déjà plus qu'une écume, un nuage...

                                                              L'Homme et son Image

"Un homme qui s'aimait sans avoir de rivaux

Passait  dans son esprit pour le plus beau du monde." 

                                                                   Le Loup et la Cigogne

"Un os lui demeura bien avant au gosier.

De bonheur pour ce loup, qui ne pouvait crier,

Près de là passe une cigogne."

                                                             Les Deux Taureaux et une Grenouille

"Deux taureaux combattaient à qui posséderait

Une génisse avec l'empire."

Tout l'espace est occupé par les taureaux agressifs tandis que la grenouille qui se plaint dans la fable n'est pas représentée. Les petits sont si petits qu'on ne les voit pas... 

                                                             L'oiseau blessé d'une flèche

"Mortellement atteint d'une flèche empennée,

Un oiseau déplorait sa triste destinée."

                                              La Chatte métamorphosée en Femme

 "Un homme chérissait éperdument sa chatte;

Il la trouvait mignonne, et belle, et délicate," (...)

                                                           Le Lièvre et les Grenouilles

"Un lièvre en son gîte songeait

(Car que faire en un gîte, à moins que l'on ne songe?)"

                                                             Le Coq et le Renard

"Frère, dit un renard, adoucissant sa voix,

Nous ne sommes plus en querelle :

Paix générale cette fois.

Je viens te l'annoncer ; descends que je t'embrasse," (...)

                                                        Le Loup devenu berger

"Il s'habille en berger, endosse un hoqueton,

Fait sa houlette d'un bâton,

Sans oublier la cornemuse."

                                                           Le Renard et les Raisins

"Certain renard gascon, d'autres disent normand,

Mourant presque de faim, vit au haut d'une treille

Des raisins mûrs apparemment

Et couverts d'une peau vermeille.

Le galant en eût fait volontiers un repas ;

Mais comme il n'y pouvait atteindre :

"Ils sont trop verts, dit-il, et bons pour des goujats."

Fit-il pas mieux que de se plaindre ?"

                                                L'Aigle, la Laie et la Chatte

"L'aigle avait ses petits au haut d'un arbre creux,

La laie au pied, la chatte entre les deux ;"

                                                         Le Lion devenu vieux

Le lion au premier plan, incapable de réagir aux humiliations que lui imposent les animaux qui le craignaient dans sa splendeur et qui se vengent maintenant qu'il est faible, regarde le spectateur qu'il prend à témoin...

Le petit âne qui n'a pas un rôle sympathique dans la fable est ici représenté, bleu et joyeux, comme il le sera souvent par le peintre qui aime les ânes ...

                                                               L'Oeil du maître

"Un cerf s'étant sauvé dans une étable à boeufs

Fut d'abord averti par eux

Qu'il cherchât un meilleur asile."

                                                           Le Petit Poisson et le Pêcheur

"Poisson, mon bel ami, qui faîtes le prêcheur,

Vous irez dans la poêle ; et vous avez beau dire,

Dès ce soir on vous fera frire."

                                                        Le Soleil et les Grenouilles

Cherchez les grenouilles plaintives dans ce paysage exubérant ! vous ne les trouverez pas !

                                                            Le Curé et la Mort

Composition nocturne où le mort apparaît en transparence dans le cercueil et où le curé qui se réjouissait de tout ce qu'il lui laissait est entraîné à son tour vers le néant... 

A suivre...

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 Liens Chagall :

Chagall. Abraham et les Anges. L'hospitalité.

Chagall. Les Fables de La Fontaine. (2) Gouaches.

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Voilà un titre bien rébarbatif, un programme bien ambitieux... La vie de l'humanité résumée dans une peinture!

Mais avec Gustave Moreau, il ne faut pas se laisser arrêter par l'appareil ésotérico-philosophico-mystico-érudit de son oeuvre. Cet aspect est l'arbre qui cache la forêt. La forêt, c'est la forme, l'émotion, l'art tout simplement. On s'y perd et on s'y reconnaît.

Moreau fait siennes les paroles de Baudelaire :

"La Nature est un temple où de vivants piliers                                                                   Laissent parfois sortir de confuses paroles,                                                                        L'homme y passe à travers des forêts de symboles                                                  Qui l'observent avec des regards familiers."

Ces forêts existent et chacun peut s'y aventurer... et écouter...                                               

Le tableau se présente comme un retable, richement orné (un peu trop) et doré à l'or fin. Sa place naturelle serait sur un autel, pourquoi pas dans l'église voisine de la Trinité ou dans celle presque aussi proche de Notre-Dame de Lorette, temple de la Nouvelle Athènes...

Au sommet, dans le frontispice, on voit le Christ dont le visage grave rappelle celui de Jupiter de la toile exposée de l'autre côté du mur, "Jupiter et Sémélé".

Il remonte de la mort, soutenu par les anges dont les ailes rouges évoquent le bois sanglant de la croix. Ses bras décloués restent ouverts et le sang coule de ses mains vers l'humanité.

Comme coule l'eau vive de son flanc transpercé par la lance.

Il y a souvent chez Moreau, dans la "technique" picturale, un étonnant contraste entre la précision de certaines formes, de certains corps et le flou, la pâte d'autres éléments de la composition. Ici les anges pris dans l'effort, sont plus une force que des individus, une matière en mouvement autour du Christ peint avec précision.

1 l'Âge d'or. L'enfance. Adam et Eve.

Le retable se lit en partant du haut. Les trois premiers tableaux, dits de "l'Age d'or", représentent Adam et Eve aux trois principaux moments de la journée (et de la vie) : matin, midi et soir.

Le matin : Sur un fond japonisant, le couple nu et amoureux s'émerveille devant la beauté du monde. Eve joint les mains pour prier. 

 Le midi : Adam et Eve au milieu du jour avancent éblouis dans une nature harmonieuse, accompagnés par le lion docile et le vol d'oiseaux blancs qui ressemblent à des anges. C'est l'Eden de la Genèse et le pays promis par Isaïe à la fin des temps : "Le loup habitera avec l'agneau, la panthère se couchera avec le chevreau"... 

Le soir : Sur un fond de tissu précieux brodé d'or, la lune monte dans un paysage d'estampe et au premier plan, Eve étendue contre Adam, appuyée sur un cygne endormi, s'endort paisiblement.

La mort n'existe pas, elle n'est pas encore entrée dans le monde. Elle est une menace peut-être, symbolisée par le fruit lourd qui pend de l'arbre au-dessus du couple, le fruit de la connaissance. Le cou du cygne (première allusion à Orphée) semble reptilien et annoncer l'approche du serpent tentateur.

2 L'Âge d'argent. La jeunesse. Orphée. Hésiode.

Les trois tableaux de la ligne médiane sont dits de "l'Âge d'Argent". C'est le temps de la jeunesse et de la créativité. Pour le symboliser, Moreau ne s'inspire pas de la Bible mais de la Grèce antique, civilisation à la fois spirituelle et profondément sensuelle.

Le matin : Le poète Hésiode est représenté dans un paysage de montagnes où il surveille son troupeau. Un ange aux ailes bleues l'incite à devenir poète.

Le Midi : C'est Orphée qui est représenté avec le cygne dans lequel il se métamorphosera après sa mort. Il chante, inspiré par la muse Melpomène appuyée sur la lyre. Il est richement habillé d'une étoffe rouge, couleur de la vie et des passions. Son regard tourné vers le ciel est entouré comme celui de la muse d'une auréole d'icône byzantine.

La mythologie grecque et la mythologie chrétienne ont bien des "correspondances" pour Moreau. Orphée au centre exact du retable, au midi précis de l'oeuvre, est le précurseur du Christ du frontispice. Le rouge de sa tunique semble être teintée du sang qui s'écoule des mains du Ressuscité.

L'oeil du spectateur est attiré par ce "centre" de l'oeuvre où les couleurs sont plus vives,  où la main levée montre l'infini.

Le soir : Nous retrouvons Hésiode. Le pasteur-poète est debout dans une pose féminine. Les hommes souvent chez Moreau évoquent une créature complète qui assumerait le masculin et le féminin qui sont en eux.

Détaillez bien les trois visages des trois tableaux. Le matin, Hésiode regarde devant lui, vers l'avenir... Le midi, Orphée a le visage levé vers le ciel.... Le soir, Hésiode, baisse la tête vers la terre. 

Dans le ciel que le poète ne regarde plus s'envole la muse emportant avec elle la harpe.

C'est la fin de l'inspiration, l'impossibilité de chanter. Le poète regarde à ses pieds le cygne d'Orphée. Le cygne qui annonce la mort du poète.

Etrange figure du poète nu qui semble avoir trois bras. Le bras gauche tient le lys (présent aussi dans Jupiter et Sémélé), le bras droit est double (un remords mal effacé par le peintre), une main touche le sexe, une autre main est posé sur le bois muet de la lyre.

3 L'Âge de Fer. La mort. Abel et Caïn.

Le matin : La nature est sombre. Les enfants d'Adam et Eve doivent travailler la terre pour la rendre fertile. Au loin fume un volcan comme une menace. Abel sur la pente sème des graines tandis qu'au premier plan Caïn mène un lourd attelage de boeufs.

Le midi : Repos après les heures de travail. Abel à l'arrière joint les mains vers le ciel. Caïn médite. Tout est possible selon les pensées dont il se laisse envahir. La fraternité paisible, l'amour... La jalousie, la haine et le crime...

Le soir : Le dernier tableau est celui de la Mort. La nature s'obscurcit dans un ciel sanglant. Les corps perdent leur netteté. Le cadavre blanc d'Abel est étendu sur la terre tandis que Caïn, dressé contre la nuit laisse retomber l'arme du fratricide et tente de se cacher dans son bras replié.

Cette dernière scène, la plus noire, la plus tragique n'est pas la conclusion du retable. Nous ne pouvons nous empêcher de prendre un peu de recul, de nous laisser attirer vers le centre lumineux où chante Orphée dans une nature charmée où les animaux l'écoutent et où il nous invite à suivre sa main levée qui nous entraîne vers le frontispice et le Christ de la Résurrection.

De la même manière dans le tableau "Jupiter et Sémélé", remontions-nous des Enfers et des ténèbres vers le Dieu trônant dans le ciel.

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Si ce tableau parle de la Vie de l'Homme, avec ses ombres et ses lumières, il a pour Centre et pour Saint-Sacrement, la figure d'Orphée, drapé de rouge et chantant la nature et l'amour.

Chaque poète qui chante

Chaque homme qui aime

Chaque artiste qui peint

Redonne sens à la vie

A la sienne

Et à celle des autres

C'est pour moi le sens ultime de cette oeuvre...

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Vous pouvez la rencontrer au Musée Gustave Moreau, 14 rue de la Rochefoucauld, dans le 9ème arrondissement (métro Trinité)

Ouvert tous les jours : Lundi mercredi jeudi de 10h à 12h45 et de 14h à 17h15

Vendredi samedi dimanche de 10h à 17h15 sans interruption

Fermé le mardi

Entrée  5 € (pour une visite de la maison et des chefs d'oeuvre qui y sont exposés... pour une promenade contemplative dans l'univers de Gustave Moreau, tel qu'il était au moment de sa mort). 

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Liens : Gustave Moreau : 

Gustave Moreau. Prométhée foudroyé.

Gustave Moreau. Le christ et les deux larrons.

Gustave Moreau. Les rois mages.

Gustave Moreau. Jupiter et Sémélé. Musée.

Articles sur les peintres et personnages de Montmartre :

Liste et liens: Peintres et personnages de Montmartre. Classement alphabetique.

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Parmi les peintres amoureux de Montmartre, Liudmila Kondakova a une place à part.

Ses vues de la Butte, ses visions, sont naïves et poétiques.

J'ai lu sur je ne sais quelle page de la toile que cette artiste russe, née en 1956, était attachée au "détail", qu'elle était à la fois "réaliste" et "romantique".

Je ne suis pas du tout d'accord. 

Prenons pour exemple cette vue de la rue du Mont-Cenis, avec à droite la place du Tertre.

Où est le réalisme?

Quiconque connaît un peu l'endroit sait qu'il est impossible de voir dans cette perspective la Tour Eiffel. Il faut descendre la rue et regarder sur la droite, dans le tournant pour la découvrir...

Il est encore moins possible de voir le Sacré-Coeur qui dans la réalité est plus vers l'est et en retrait!

Il est enfin impossible de voir sur la gauche des boutiques qui n'y sont pas!

Et il en est ainsi pour la plupart des toiles de Liudmila. On y reconnaît Montmartre mais ce n'est pas le Montmartre des cartes postales et des cartes-mémoire.

C'est un Montmartre habité par le rêve. Le rêve ou la rêverie.

C'est un Montmartre d'enfant et de poète.

Le Moulin rouge dont les ailes accrochent la lune apparaît sur cette toile tel qu'il était au début du XXème siècle... avec l'immeuble à tourelles disparu aujourd'hui, l'entrée du bal et la façade du music-hall...

Les couleurs, la profondeur du ciel nocturne, le silence...

C'est un Montmartre paisible et déserté de ses habitants que nous découvrons...

Ce silence et ce vide sont un des mystères et des charmes des représentations de Liudmila...

On y sent la vie et la présence malgré l'absence...

Les restaurants et les boutiques sont illuminés et accueillants...

Les tables recouvertes de nappes attendent les clients... 

Parfois au loin se dessine une silhouette.

La pluie légère mouille les pavés et en font un miroir du ciel.

Utrillo vient de tourner au coin de la rue. Un jeune peintre, un rêveur va bientôt passer...

La ville est vide comme une église et habitée comme elle... 

On y entend le silence à peine effleuré par les notes lointaines d'un accordéon... 

Par la simplicité et la précision du pinceau (et non pas le "détail") on peut penser aux peintres naïfs mais plus encore aux peintres d'icônes.

Et c'est ce qui est le plus émouvant dans l'oeuvre de Liudmila Kondakova...

Elle peint Montmartre comme d'autres peignent, dans le silence des prières, les figures saintes et les anges.

De même que les icônes permettent de "voir" au-delà du visage divin une humanité sanctifiée, les toiles de Liudmila permettent de "voir" au-delà d'un Montmartre idéalisé, une ville en attente, une ville offerte à ceux qui veulent bien y entrer

S'asseoir aux terrasses vides

Marcher à l'aventure

Se laisser entraîner par la montgolfière du Sacré-Coeur vers le bleu sans limites du rêve...

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Liens peintres à Montmartre :

André Renoux. Peintre de Montmartre.

Montmartre. Peintre. GYM. Georges Michel.

Peintres et personnages de Montmartre. Classement alphabétique.

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                                          Paul Gavarni (1804-1866). Auto portrait.    

Il est jeune et beau quand il vient s'installer à Montmartre d'où il domine la plaine et ce Paris romantique dont il va être l'un des "reporters" les plus attentifs  : Paul Gavarni (de son vrai nom Guillaume-Sulpice Chevalier) a 25 ans lorsqu'il élit domicile avec sa famille au 33 rue des Rosiers.

                                                            Rue des Rosiers 

La rue porte aujourd'hui le nom d'un autre Chevalier, François-Jean Lefebvre de la Barre, plus connu sous le nom de Chevalier de la Barre... 

Quand la rue portait encore le nom des Rosiers, elle fut le cadre de quelques-uns des plus sanglants épisodes de la Commune.

                                                                   Rue des Rosiers 

                                         Rue du Chevalier de la Barre (ancienne rue des rosiers)                                                                                                                                

En 1830, toujours sur la Butte, Gavarni va vivre 13 ter rue Ravignan....

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                                                      Le 13 ter rue de Ravignan

Le petit immeuble est construit à l'emplacement duTivoli. Gavarni y loue un local modeste, ancien vestiaire de l'établissement, avant de pouvoir, le succès aidant, changer d'étage et louer un appartement voisin de celui qu'occupe Alphonse Karr.

                                                      Palissade à Montmartre. Gavarni.

Il fait des croquis du vieux village de Montmartre, dessins qui provoquent l'admiration des frères Goncourt :

"ses vues pittoresques du Montmartre presque sauvage d'alors, de ses bâtisses ruineuses, de ses maisons écroulées, des entrées suspectes de ses cavernes, des palissades et de ses terrains vagues, feront plus tard le fonds de ses lithographies."

                                                     Gravure pour "La Mode" (Gavarni)

Quand il habite Montmartre, il a la réputation d'être un grand amateur de femmes. Son physique avantageux, sa chevelure romantique lui soumettent les corps et les coeurs. Il tient un compte précis de ses conquêtes dont il note le nom et les caractéristiques dans ses carnets.

                                                              Balzac (Gavarni)

C'est alors qu'il habite Montmartre qu'il commence à fréquenter les salons où il se lie d'amitié avec Balzac, Hugo, Alexandre Dumas, Musset, Murger... avec Alphonse Karr qui est son voisin de la rue Ravignan.

                                                    Victor Hugo (Gavarni)                                                       

Girardin l'engage pour collaborer à son Journal  la Mode. Le succès le rend ambitieux et Gavarni crée son propre journal : Le Journal des Gens du Monde. Mais c'est un échec, et criblé de dettes, il se retrouve en prison, rue de Clichy.

Après cette expérience malheureuse il préfère participer aux journaux des autres! Parmi lesquels La Silhouette, La Caricature, Le Charivari...

                                                          La grisette (Gavarni)                                             

Les Physiologies étaient un exercice littéraire à la vogue dans la première moitié du XIXème. Gavarni participe à plusieurs, dont les deux plus célèbres sont celles de la Grisette et celles de la Lorette.

Grisettes et Lorettes sont venues jusqu'à nous en partie grâce à ses croquis et à ses dessins.

                                                            Mimi Pinson (Léandre)

Les grisettes... nombreuses sur la Butte sont des jeunes femmes de milieu modeste, accueillantes aux hommes sans être vénales. Leur nom leur vient de la casaque grise et bon marché qui couvrait leurs épaules.

                                                  Maison de Mimi Pinson, rue du Mont-Cenis

Le nom apparaît dès le XVIIème siècle mais c'est l'époque romantique qui le met à la mode, avec Musset notamment et sa Mimi Pinson de Montmartre :

"Mimi Pinson est une blonde                                                                                            Une blonde que l'on connaît                                                                                            Elle n'a qu'une robe au monde                                                                                         Et un bonnet (...)"  

                                                          Physiologie de la lorette (vignettes de Gavarni). En couverture la citation d'un anonyme ! "La tante en permettra la lecture à sa nièce."

La Lorette nous fait descendre de la Butte vers le quartier très recherché de la Nouvelle Athènes où l'église Notre-Dame de Lorette donne leur nom à de jeunes élégantes, plus riches et plus vénales que leurs consoeurs montmartroises. Ces demi-mondaines seront décrites par Balzac...

                                1 rue Fontaine. Appartement de Gavarni au 1er étage 

....et Gavarni n'a pas une grande distance à parcourir pour les "croquer" quand il quitte la Butte pour habiter de 1837 à 1846 au 1 rue Fontaine.

Un peu plus tard, il se rapproche encore de ces dames en habitant 60 rue Saint-Georges. Un monument à sa gloire a été élevé sur la place. Gavarni est tourné vers l'immeuble où il a vécu, comme s'il tenait à passer son éternité de pierre dans ce quartier dominé par la Butte et à oublier Auteuil où il s'était exilé dans les dernières années de sa vie et où une rue porte son nom.

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Quelques citations de Paul Gavarni :

"Le hasard seul est merveilleux parce qu'il est inintelligent."

"Si on se querellait avec tous les amants de sa femme, on n'aurait jamais d'amis."

"L'homme est le roi de la création. Qui a dit cela? L'homme."

"Si on avait assez de fonds pour acheter toutes les consciences ce qu'elles valent et les revendre ce qu'elles s'estiment, ça serait une belle affaire."

"La charité est un plaisir dont il faut savoir se passer."

"Pourquoi mépriser les prostituées? Ce sont des femmes qui gagnent à être connues."

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    Liens :        Rues de Montmartre. Classement alphabétique.

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Pour compléter l'article ( Poulbot. Panneaux décoratifs) consacré aux remarquables céramiques de Poulbot,  rue Damrémont, quelques photos récentes.....

Le mur droit (en entrant) est consacré à l'hiver et à l'automne....

On reconnaît ici la rue Saint-Vincent et le Lapin Agile....

rue Cortot...

Les palissades du maquis...

Le Moulin de la Galette...

Le Maquis et la Tour du Philosophe...

La maison de Roze de Rosimond (actuel musée de Montmartre)...

Les jardins sauvages, aujourd'hui square Louise Michel...

Liens Poulbot :

Poulbot. Panneaux de Faïence. Rue Damrémont. Montmartre.

Poulbot. Jeunesse. Débuts.

Poulbot. Maturité. Succès. Les Gosses. (2)

Poulbot. Engagement social. Petits Poulbots. (3)

Poulbot. Dessins. Esquisses. Début. Avant 1910.

Poulbot. Poil de carotte. Illustrations. (1)

Poulbot. Poil de Carotte. Illustrations. (2).

Poulbot. Dessins. La Maternelle de Léon Frapié. (1)

Poulbot. La Maternelle de Léon Frapié. Dessins (2)

Poulbot. Dessins enfants. Chansons de Bruant.

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Rues de Montmartre. Classement alphabétique.

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C'est une des toiles les plus connues de Gustave Moreau, une des plus mystérieuses et des plus accomplies.

Elle attire et fascine. Elle séduit et questionne.

Il en est de cette oeuvre comme de tous les chefs d'oeuvre, il faut l'approcher et se laisser entraîner dans son mystère.

Moreau s'inspire de l'amour tragique de Sémélé et de Jupiter. Junon, épouse éternellement jalouse, prend les traits de la nourrice de Sémélé pour la persuader de demander à son amant, comme preuve d'amour, de lui apparaître, non plus sous sa forme humaine mais dans sa gloire divine, sachant que nul ne peut supporter cette vue. Sémélé fait promettre à Jupiter de répondre à un voeu qu'elle formulera. Le dieu amoureux accepte sans se méfier et ayant donné sa parole doit s'éxécuter. Il se révèle dans sa puissance qui foudroie l'imprudente amoureuse.

Au sommet de la toile, Jupiter, le visage grave, le regard fixe, trône, la tête rayonnante de flammes. Il ressemble à une divinité de l'hindouisme, au sommet des tours de pierres sculptées.

Il a les traits d'un jeune homme, d'un prince oriental et non de l'homme mûr et barbu que la tradition lui prête. Il est à la fois Jupiter, Apollon, Orphée et le Christ.   

Sémélé saisie d'effroi est touchée à mort. Son corps en équilibre sur la jambe puissante du dieu se courbe, sa main droite s'accroche au vide. Elle perd la vie et elle perd l'amour qui lui donnait sens.

Un ange devant elle plane au-dessus du monde en se cachant les yeux.     Il est l'ange de l'amour et le fruit de l'amour.

Il est l'enfant que Sémélé portait en elle, le fils que le dieu a arraché du flanc de sa mère afin de le sauver et de le protéger dans sa cuisse afin qu'il y termine sa maturation.

C'est Bacchus, fils de l'amour de Jupiter et Sémélé.

Au pied du trône, devant l'aigle aux ailes dressées, "véhicule" de Jupiter, comme Garuda est "véhicule" de Vishnu, le dieu Pan est assis, avec entre ses jambes une semence de petits êtres blancs qui cherchent à se dégager de leurs liens.

Pan entre Jupiter qui a la tête dans le ciel et Hécate au bas du tableau, se tient, grave et attentif, entre le monde de la lumière et celui de la nuit. Il est avec ses instincts de vie dans un corps encore animal, le témoin des hommes confrontés au désir et à la souffrance.

A sa gauche se tient la Douleur, couronnée d'épines comme le Christ, une palme à la main. Elle est l'allégorie de la condition de l'humanité, le passage inéluctable. Son aspect christique donne une indication sur le sens profond du tableau. Ce passage peut être un passage vers une vie supérieure, vers ce ciel où rayonne le visage de la divinité. 

A la droite de Pan, la mort drapée de violet tient le glaive sanglant. Elle ne triomphe pas, bien au contraire, elle est accablée, comme prise de compassion pour les humains qu'elle est chargée de tuer.

C'est une belle allégorie éloignée de la "Proserpine" antique et du squelette médiéval. C'est la mort telle qu'on la trouve sur les monuments funéraires de la fin du XIXème siècle. 

De part et d'autre, debout, les ailes montant comme des flammes, la tête penchée vers les êtres souffrants, veillent les anges douloureux...

Ces anges debout entre l'enfer et le ciel ont pour pendant, au bas du tableau les deux sphinx qui gardent le monde des ténèbres.

Hécate, couronnée d'un croissant de lune se détache sur un univers indistinct d'ombres et de visages vagues ou inachevés. Son regard halluciné suscite l'effroi. Il s'oppose au regard du Dieu, au sommet de la toile. 

 Les êtres de l'enfer sont pris dans un grouillement où se mêlent les teintes sombres qui attirent vers le fond et les rayons qui tentent de percer les ténèbres.

En bas et au centre de la toile, trois créatures monstrueuses forment une trinité coiffée d'un rayonnement qui éclate dans cet univers de nuit...

Ce lourd rayonnement au pied du dieu Pan fait remonter le regard du spectateur vers l'autre rayonnement divin, en haut de la toile.

Et c'est ainsi qu'après avoir été, au premier regard, saisi par le couple Jupiter-Sémélé, après avoir parcouru la toile pour en atteindre le "fond" (comme on parle de fonds sous-marins), on comprend que c'est en remontant vers le ciel  de la toile qu'il faut voyager dans ce tableau.

De la nuit vers l'éternité céleste. 

Au bas de la toile : le  monde encore informel, incréé, où des créatures incomplètes aspirent à la lumière.

Au-dessus : le monde de l'humanité où douleur et mort sont présentes mais où la mort n'appartient plus aux enfers.

En haut : Le couple céleste, le monde spirituel qui échappe au temps et ouvre les yeux sur l'éternité.

C'est alors que l'on se rend compte que le corps pâle de Sémélé qui semblait attiré par la pesanteur de la mort, garde la souplesse de la vie, se redresse peut-être, la mort franchie, pour rejoindre son amant éternel, pour devenir le lys qu'il tient dans sa main droite tandis que sa main gauche caresse la lyre d'Orphée.

Il faut se laisser happer par ce tableau, en accepter les ombres et les lumières, en accepter le mystère.

Tout l'appareil critique, toutes les explications sont utiles mais réductrices.

Chacun l'interprétera comme il le ressentira.

Ce qui compte c'est la présence, l'évidente présence du peintre et du poète, de celui qui donne forme à la matière.

On est devant ce tableau comme au pied des temples de Maduraï ou des tours des cathédrales.

Croyant ou pas, on est impressionné par sa force et son mystère... 

Par la puissance de l'Art qui comme l'Amour est capable de triompher un moment (ou toujours ?) de la Mort.

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      La toile est visible dans le très beau musée qu'est la maison de Gustave Moreau, 14 rue de la Rochefoucauld, dans le 9ème arrondissement. (Métro Trinité, Saint-Georges, Pigalle)

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Autres articles sur Gustave Moreau : Liens :

 Prométhée foudroyé Gustave Moreau

Les rois mages Gustave Moreau.

Le christ et les deux larrons.Gustave Moreau.

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Tous les articles sur les peintres et les artistes de Montmartre :

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                                                Delacroix : La Mort de Sardanapale.

      Jacques Brissot aime s'inspirer des chefs d'oeuvre de la peinture. S'il a une prédilection pour Bosch ou Memling, il ne dédaigne pas les Romantiques et c'est Delacroix qu'il prend pour modèle pour son "Sardanapale" que vous pouvez voir au Musée de l'érotisme, boulevard de Clichy, où une exposition lui est consacrée

Le tableau de Delacroix a pour titre : "La mort de Sardanapale" et représente le suicide du roi assyrien avec ses femmes, ses favorites, ses esclaves et ses chevaux, après sa défaîte et l'incendie de Babylone. 

                                                     Jacques Brissot : Sardanapale.

   Jacques Brissot qui fut lui-même cinéaste, enlève "la mort" de son titre pour représenter Jean-Luc Godard avec autour de lui l'univers qu'il sacrifie, tandis qu'à l'arrière plan ce n'est pas Babylone mais les studios d'Hollywood qui sont en feu !

   S'il est peut-être fait allusion au côté despotique du cinéaste, cet anéantissement programmé de son oeuvre et des femmes et des hommes qui y ont participé, résonne plutôt, du moins est-ce ainsi que je le ressens, comme un adieu à une époque où le cinéma était exigence et audace, où l'artiste était à la fois démiurge et iconoclaste.

                       Détail de "l'Entrée des Croisés" de Delacroix vus par Godard (Passion). On reconnaît, à droite Myriem Roussel.

        Notons que Godard lui-même dans son film "Passion" met en scène des oeuvres célèbres de la peinture : La ronde de Nuit de Rembrandt, le 3 mai de Goya ou l'Entrée des Croisés à Jérusalem de Delacroix...

Au sommet de la composition de Brissot, allongé sur le lit, pellicules dans une main, verre levé dans l'autre, Godard-Sardanapale, le coude et le pied appuyés sur les bobines de ses films, assiste à l'anéantissement...

Les têtes d'éléphant aux angles du divan de Sardanapale deviennent ici des têtes de Mickey...

Devant lui, bras ouverts et mourante, une des femmes du roi...

J'hésite sur son identité. Le visage n'est pas vraiment net. Je pencherais sans en être absolument certain pour Marina Vlady qui joua un rôle de femme qui se prostitue par nécessité dans "Deux ou trois choses que je sais d'elle". 

               Bardot est représentée, au premier plan, dans un groupe qui reproduit avec exactitude celui qui a été peint par Delacroix. Eddie Constantine (Alphaville) s'apprête à sacrifier l'héroïne du Mépris (chef d'oeuvre entre les chefs d'oeuvre, film mythique, apothéose de Bardot).

Au centre, coiffée à la Louise Brooks de "Vivre sa Vie", Anna Karina, première épouse de Godard.

A droite, Juliette Binoche (Je vous salue Marie), Maruschka Detmers (Prénom carmen) et sur le côté Anne Wiazemsky (la Chinoise, Week-End, One plus One), deuxième femme de Godard.

    Au fait n'oubliez pas de lire son dernier livre "Une année studieuse"dans lequel elle parle avec tendresse et lucidité de cette période de sa vie et où elle dépeint un Godard passionné et jaloux, insupportable et adolescent...

A droite d'Eddie Constantine, Johnny Hallyday (Détective) et Michel Piccoli (Le Mépris) près de la tête de ce Mickey si présent dans l'oeuvre de Brissot pour qui notre monde est en passe de devenir un immense Disneyland.

      Au premier plan à gauche, à la place de l'esclave qui tire les rênes d'un cheval cabré, Belmondo, le visage bleu de "Pierrot le Fou" essaie de manoeuvrer une caméra de travelling.

Au-dessus, Jacques Dutronc (Sauve qui peut la vie) et Jean Seberg (A Bout de Souffle)..

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Près de Godard, juliet Berto (la Chinoise) et de profil Macha Méryl (Une Femme  Mariée)...

Tout ce monde est en train de sombrer avec les bobines des chefs d'oeuvre fragiles.

Sept  ans après ce tableau de Brissot, un autre naufrage a lieu sur les récifs de l'île de Giglio, celui d'un navire de croisière avec ses salles de jeux, de cinéma, de théâtre...

Le Costa Concordia sur lequel Godard a tourné "Film Socialisme". Son dernier film.

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                                                       Il n'est pas étonnant que Steinlen, l'homme épris de liberté et d'indépendance ait aimé à ce point les chats.

                                                        Dans sa maison de Montmartre sur le maquis voué à disparaître, il accueille et nourrit une tribu de félins qui font de sa maison, le "Cat's Cottage" leur quartier général...

                               Toute sa vie, Steinlen les a observés, admirés et dessinés sur d'innombrables carnets.

                                                    Et comme chacun sait que les chats aimés portent bonheur, qu'ils soient tigrés, tricolores, noirs ou gris... Ils n'ont eu de cesse que de lui apporter la gloire et la fortune.

                                               L'enseigne peinte pour le cabaret de Bruant est l'équivalent chatesque, en célébrité et en fascination de la Joconde ! Elle a fait connaître Steinlen dans le monde entier...

                                             "Je dors mais mon coeur veille"...

L'artiste aime regarder le sommeil du chat. C'est une grande leçon de vie...

                                                    Le chat est tout entier concentré dans le plaisir de dormir au chaud dans son pelage et il est dans le même temps tout entier attentif à ce qui l'entoure.

                                                 Le moindre bruit le fait jaillir de la somnolence comme un dauphin hors de l'eau !

                                                  Nul ne jouit mieux de l'abandon du sommeil que lui et nul ne se retrouve plus soudainement dans l'attention aiguisée de l'instant...

                                                    Animal sensuel, il a cependant des amours sans manières, des amours sauvages et brutales. Comme si tout dans la vie était sensualité et caresses, sauf l'acte sexuel tyrannique et utilitaire...

                            Mais à la différence avec l'homme qui passe si peu de temps à jouir de son corps, le chat n'est qu'exaltation des sens... chaque seconde...

                                              Le chat marche sur un fil tendu au-dessus de l'abime. Il pose sa patte exactement au bon endroit, au bon équilibre au-dessus du gouffre...

                                            Il marche comme un roi et tous les regards le suivent comme les constellations sur les plumes du paon...

                                                     Il ne se déplace pas, il danse. Il a fait un pacte avec le silence. 

                                                 Aucun danseur étoile, aucun Nijinsky, aucune Pavlova ne s'envolera comme eux... Comme le moindre chat des rues, le moindre clochard de gouttière... 

                                                 Dans la nuit il se glisse. Il voit ce que nous ne pouvons deviner. Il joue avec les revenants et les fantômes.

                                                   Les hommes ont inventé la calligraphie pour l'imiter... Sur les murs de mosaïques orientales les mots courent comme des chats.

C'est la seule manière qu'ils ont trouvé, les hommes pour s'adresser à Dieu. pour donner à leur main épaisse la légéreté du poème amoureux... 

                                                     Mais le chat se moque de nos paradis et de nos enfers. Le chat ne croit ni en Dieu ni en Diable. 

                                                    Il ne croit qu'en lui.  Il sait que le monde a été créé pour lui. Tout ce qui entre dans son champ de vision lui appartient. Tout ce qui bouge l'intéresse, l'inquiète, le fascine...

                                                   Il y a tant de mystères dans ce monde... 

                                                        Il y a tant d'objets idiots et sans vie qu'il faut animer et poursuivre...

                                           Il y a tant d'enfants dont il faut se méfier parce qu'ils lui ressemblent et ne pensent qu'à eux...

                                         Mais non... Le chat ne pense pas qu'à lui... Il y a sous son crâne, dans sa petite tête serpentine la voix, l'odeur, l'image des humains qu'il a choisi d'aimer...

 ... de Steinlen qui dort dans le cimetière Saint-Vincent, sous une pierre où, les jours de soleil, le chat se pose et sommeille, abandonné et attentif... 

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Liens : Steinlen :

Steinlen. (1) Les affiches et les chats.

Steinlen. (2) Les affiches (journal, théâtre, roman)

Steinlen. (3) Les affiches. La Guerre.

Steinlen. (4) Les affiches. La publicité.

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