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Montmartre secret

Montmartre secret

Pour les Amoureux de Montmartre sans oublier les voyages lointains, l'île d'Oléron, les chats de tous les jours. Pour les amis inconnus et les poètes.

peintres

Publié le par chriswac
Publié dans : #Peintres, #CHARENTE MARITIME
Bouguereau. L'Océanide. Musée des Beaux Arts. La Rochelle

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William Bouguereau (1825-1905, né et mort à La Rochelle) fait partie de ces grands peintres du XIXème siècle trop vite classés "académiques" et méprisés pendant longtemps par les critiques.

Les Américains qui ont acheté dès le début la plupart de ses oeuvres, ne l'entendent pas de cette oreille et c'est grâce à eux que des expositions ont pu faire connaître le talent et la puissance créatrice du peintre.

Bouguereau. L'Océanide. Musée des Beaux Arts. La Rochelle

Une des plus belles toiles de l'exposition d'Orsay sur l'Ange du Bizarre était de lui.

Dante et Virgile aux Enfers. Une vision de cauchemar carnivore, un combat infernal et tellurique.

Bouguereau. L'Océanide. Musée des Beaux Arts. La Rochelle

D'autres toiles impressionnent et stimulent l'imagination comme cette Égalité devant la mort, vision funèbre et onirique...

Bouguereau. L'Océanide. Musée des Beaux Arts. La Rochelle

Bouguereau a souvent choisi de peindre des sujets mythologiques, source inépuisable d'inspiration.

Après la terrible année 1876 où il perd son épouse et deux de ses enfants, il se tourne vers des sujets religieux.

Certains de ses tableaux méritent alors d'être taxés d'académisme mais d'autres traduisent une étrangeté et un sens du mystère qui les apparentent à de grandes oeuvres romantiques.

C'est le cas de cette Âme emportée au ciel peinte moins de deux ans après la perte des êtres aimés. Les anges portent délicatement la défunte, avec une légéreté et une délicatesse qui sont celles avec lesquelles l'artiste pense à ses morts. Ils l'emmènent vers la lumière.

Bouguereau. L'Océanide. Musée des Beaux Arts. La Rochelle

Hélas, ce n'est pas une toile de cette force que l'on découvre au Musée des Beaux-Arts de La Rochelle. Cette ville qui devrait s'enorgueillir de compter un tel artiste parmi les siens, ne possède presque rien de lui.

Peut-être même n'aurait-elle rien si Madame Vincens-Bouguereau (Henriette, fille du peintre) n'avait fait don à la ville de l'Océanide un an après la mort de son père.

Bouguereau. L'Océanide. Musée des Beaux Arts. La Rochelle

Les nus féminins de Bouguereau connaissaient un grand succès et le peintre céda à la facilité en les multipliant et en reprenant son modèle de Vénus qui avait tant plu (La Naissance de Vénus)

Bouguereau. L'Océanide. Musée des Beaux Arts. La Rochelle

On trouve la même femme aux formes parfaites, peinte avec une précision ingresque dans de nombreuses toiles comme la Vague ou la Perle!

La Perle

La Perle

Oeuvres qui si elles étaient la seule production de Bouguereau donneraient raison à ses détracteurs et à leur accusation d'académisme.

Et pourtant...

Bouguereau. L'Océanide. Musée des Beaux Arts. La Rochelle
Bouguereau. L'Océanide. Musée des Beaux Arts. La Rochelle

Deux points retiennent l'attention. Tout d'abord la date de cette oeuvre : 1904.

C'est un an avant sa mort que le peintre l'exécute.

Il n'a plus rien à attendre de la gloire ou des honneurs.

Il choisit en ces derniers mois de sa vie de peindre non pas une résurrection, non pas une vision divine, mais une femme dans la splendeur de sa jeunesse, allongée sur le rivage et léchée par l'écume.

Afin de donner à sa toile un alibi culturel, il l'appelle l'Océanide.

Une océanide est une nymphe des eaux, fille de l'Océan et de Téthys. Elle est en réalité liée aux eaux dormantes et aux fleuves, les nymphes maritimes étant les Néréides.

Peu importe cette approximation!

Notre Océanide est tout entière offerte aux éléments, la douceur du ciel, le mouvement des eaux.

Elle est tournée vers le spectateur qui sur le rivage la contemple, comme une Vénus née de la mer...

Bouguereau. L'Océanide. Musée des Beaux Arts. La Rochelle

Elle n'est que sensualité, la poitrine offerte, les jambes prêtes à s'ouvrir.

Bouguereau. L'Océanide. Musée des Beaux Arts. La Rochelle

Le deuxième point qui retient l'attention est la présence de la vague qui laisse en transparence passer la lumière. C'est la vague que maintes fois Bouguereau a vue sur les plages charentaises, celle qui passe du bleu au vert, celle qui est douceur et puissance.

C'est la vague que je retrouve sur le rivage oléronais.

Ainsi, Bouguereau dans une de ses dernières oeuvres dit à la fois son amour de la vie, de la femme à la fois réelle et divine, son amour aussi de l'océan près duquel il est né, près duquel il mourra.

Son Océanide cesse alors d'être un simple nu académique. Elle est un ultime message, une ultime déclaration d'amour à la femme et à l'océan.

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Publié le par chriswac
Publié dans : #Peintres, #OLERON EGLISES Cimetières, #OLERON, #OLERON PLAGES
Omer Charlet. Mère au chevet de son enfant mort. Musée de la Rochelle.

Au musée des Beaux-Arts de La Rochelle je découvre une toile d'Omer Charlet, le grand peintre oléronais dont l'un des chefs d'oeuvre est accroché dans l'église de Saint-Trojan, Notre-Dame des Tempêtes.

Il s'agit d'une huile sur toile non datée (H 151cm, l 102cm).

Elle représente une femme au chevet de son enfant. La femme occupe les 2/3 de la toile. Elle est debout, solide, Sa chevelure est relâchée et son corsage ouvert.

Elle n'est pas en représentation. Elle ne pense pas à sa toilette.

Elle est tournée vers la droite, vers une source de lumière, sans doute une porte qui s'ouvre.

Son visage est touché par la lumière

Ses yeux sont mouillés d'une souffrance retenue

Un sourire fragile semble hésiter sur ses lèvres

Omer Charlet. Mère au chevet de son enfant mort. Musée de la Rochelle.

Très doucement, elle fait comprendre à l'intrus qu'il ne faut pas entrer, qu'il ne faut faire aucun bruit.

Omer Charlet. Mère au chevet de son enfant mort. Musée de la Rochelle.
Omer Charlet. Mère au chevet de son enfant mort. Musée de la Rochelle.

Le doigt posé près des lèvres, elle l'invite au silence.

Il ne faut pas réveiller l'enfant qui dort.

Omer Charlet. Mère au chevet de son enfant mort. Musée de la Rochelle.

Le garçon a les yeux clos, les lèvres bleuies

Il ne regarde plus sa mère

Sa tête est retombée sur le côté, le cou raidi

La lumière effleure son front

.

On pense à Rimbaud :

" (...)Souriant comme sourirait un enfant malade, il fait un somme :

Nature, berce le chaudement il a froid"..

Omer Charlet. Mère au chevet de son enfant mort. Musée de la Rochelle.
Omer Charlet. Mère au chevet de son enfant mort. Musée de la Rochelle.

La main de sa mère est posée sur lui

Elle est posée sur son coeur

Elle prend la forme de son coeur

Elle le protège, elle l'écoute

Omer Charlet. Mère au chevet de son enfant mort. Musée de la Rochelle.

Silence! il faut faire silence!

Elle perçoit, elle en est sûre un battement infime...

Son coeur de mère est relié au coeur de son enfant

Elle l'entend battre...

Elle veut croire

Elle croit

Que son enfant n'est pas mort

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Elle entre dans un monde qui n'appartient pas aux autres

Elle entre dans la folie

Omer Charlet. Mère au chevet de son enfant mort. Musée de la Rochelle.
Omer Charlet. Mère au chevet de son enfant mort. Musée de la Rochelle.

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Quelqu'un s'est arrêté longuement devant la toile

Il a regardé le titre

Il a tenté de le modifier en mouillant son doigt et le passant sur le dernier mot

Il n'a pas réussi à l'effacer

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Publié le par chriswac
Publié dans : #VOYAGES..., #Peintres

Le maître de Giotto était Cimabue dont nous avons vu le crucifix sauvé des inondations dans l'église Santa Croce de Florence.

Ce chef d'oeuvre ne pouvait qu'influencer l'élève qui tout en vénérant son inspirateur prend ici son indépendance pour devenir à son tour source d'inspiration.

Giotto. Crucifix de Santa Maria Novella. Florence.
Giotto. Crucifix de Santa Maria Novella. Florence.

Après 12 années de restauration c'est en 2001 que le crucifix a repris sa place originelle, celle qu'il occupait au XIIIème siècle au centre de la travée principale  de l'église.

Cette position entre le sol et les voûtes lui donne un aspect aérien et les bras en croix s'ouvrent comme pour un envol.

Le Christ est représenté fidèlement à la tradition de l'époque. Il est le Christ de souffrance dont l'agonie s'est achevée... 

 

Son corps s'est affaissé sur lui-même. Les côtes sont saillantes, les plaies ouvertes dont le sang ultime s'écoule. Le ventre est proéminent sur le périzonium.

Le périzonium c'est le "pagne de pureté" dont on vêt le Christ qu'on n'ose représenter nu comme l'étaient les suppliciés romains. La transparence du pagne peint par Giotto et l'inexistence de toute trace visible du sexe vont inspirer un temps les peintres jusqu'à ce qu'au XIVème siècle ne s'impose le vêtement de toile épaisse et décente!

 

Giotto. Crucifix de Santa Maria Novella. Florence.
Giotto. Crucifix de Santa Maria Novella. Florence.
Giotto. Crucifix de Santa Maria Novella. Florence.

La tête du Christ se penche sur son épaule. Les yeux clos n'interrogent pas le ciel, ils sont baissés vers la terre, vers les témoins du supplice, vers les croyants qui entrent dans l'église.

Les lèvres sèches qui ont crié leur soif sont maintenant figées.

La chevelure est comme teintée par la douleur. L'or de l'auréole semble éclairer son étrange rousseur.

 

Giotto. Crucifix de Santa Maria Novella. Florence.
Giotto. Crucifix de Santa Maria Novella. Florence.

A droite et à gauche, les "tabellone" représentent Marie et Jean.

Ils n'invitent pas du regard comme chez Cimabue les fidèles qui passent devant le crucifix. Ils ont les yeux tournés vers celui dont le martyre vient de s'achever.

Leur visage est le nôtre quand une douleur trop grande nous envahit et que l'on tente de retenir nos larmes, les muscles crispés jusqu'à la douleur.

Ils croisent les mains comme pour les tenir en place et les empêcher de se lever vers le cadavre pour le toucher encore, une dernière fois.

Giotto. Crucifix de Santa Maria Novella. Florence.
Giotto. Crucifix de Santa Maria Novella. Florence.

Le sang coule et se fige peu à peu sous les pieds du Christ. Il atteint les rochers du Golgotha où reposent le crâne et les os d'Adam le premier homme. Le nouvel Adam est venu s'offrir pour qu'à jamais la mort soit vaincue...

Le crucifié de Giotto est plus tragique que celui de Cimabue. Il marque une étape importante dans la représentation de l'Homme-Dieu.

A Byzance, les icônes le représentent comme Dieu avant tout, dans l'or et la splendeur du royaume. Avec Cimabue il est à la fois pleinement Homme et pleinement Dieu. C'est  l'image la plus belle et la plus proche de celle que nous avons des êtres que nous aimons.

Avec Giotto le Christ sur la croix est homme. Il n'est pas encore le Christ lépreux dans lequel se reconnaitront et se réconforteront les malades. Il n'est pas encore le Christ de Grünewald, miroir de toutes les dégradations de la chair. Il y a dans son corps sans vie une douceur et un silence qui impressionnent. Alors que l'on avait l'impression qu'il s'envolait vers les voûtes, on comprend que ses bras s'étendent au-dessus de ceux qui le regardent, que son visage se baisse vers eux.

Peint avec foi, il s'adresse à ceux qui ont la foi et croient que la mort se penchera sur eux avec le même visage grave et fraternel pour les emmener de l'autre côté... 

 

 

Giotto. Crucifix de Santa Maria Novella. Florence.

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Publié le par chriswac
Publié dans : #Peintres, #VOYAGES...
Masaccio. Adam et Eve. Chapelle Brancacci. Florence.

Dans l'église Santa Maria del Carmine, la chapelle Brancacci est "habitée" depuis bientôt sept siècles par un jeune peintre dont l'oeuvre ne cesse de fasciner et d'étonner.

Masaccio a été choisi par son maître Masolino pour répondre à la commande du couple Brancacci. Il travaille dans la chapelle de 1424 à 1428 année où il part pour Rome où il trouve la mort.

Si Masolino est apprécié et fêté par les riches Florentins, ce n'est pas le cas du jeune Masaccio (il a 24 ans) considéré comme un tantinet sulfureux et irrespectueux des canons picturaux de son temps.

Et quel abîme entre les deux hommes!

Il suffit de regarder sur le mur de droite la scène de la tentation peinte par Masolino, une scène élégante et conventionnelle, pour mesurer l'audace et la profondeur de la fresque peinte en 4 jours par le jeune Masaccio!

Masaccio. Adam et Eve. Chapelle Brancacci. Florence.
Masaccio. Adam et Eve. Chapelle Brancacci. Florence.

Le couple de Masolino est fidèle à la tradition, Il est immobile, inexpressif et il prend la pose. Il ne dérange personne. il est pudique dans sa nudité.

Le couple de Masaccio est en mouvement, il est saisi au moment où il est chassé de l'Eden. Lui aussi est fidèle à la tradition mais le peintre en donne une représentation étonamment moderne. Les corps écrasés par l'angoisse restent puissants et sensuels.

Eve se cache la poitrine et le sexe.

Adam ne dissimule pas son sexe vigoureux (plus réaliste que ne sera celui, minuscule et chiffonné donné par Michel Ange à l'Adam de la Sixtine! )

Masaccio. Adam et Eve. Chapelle Brancacci. Florence.

Le dogme catholique de la femme tentatrice et de l'homme soumis à la chair est ici illustré et dénoncé à la fois.

Le sexe tentateur, celui qu'il faut "voiler" c'est celui de la femme!

La vieille malédiction du monothéisme est ici montrée et dénoncée à la fois. La femme responsable de tous les maux, la femme coupable d'entraîner l'homme dans le péché, la femme qu'il faut enfermer sous les voiles...

Et pourtant...

C'est l'homme ici qui baisse la tête et la femme qui la relève...

Masaccio. Adam et Eve. Chapelle Brancacci. Florence.
Masaccio. Adam et Eve. Chapelle Brancacci. Florence.

Son visage est tragique

Mais il est tendu vers le ciel

Il est souffrance et interrogation

La bouche ouverte n'est pas celle du Cri de Munch qui est la porte du néant

Elle est amertune et question

Elle sait qu'il n'y aura ni réponse

Ni pardon

Adam et Eve ont les yeux fermés

Mais les yeux d'Eve s'entrouvrent...

Masaccio. Adam et Eve. Chapelle Brancacci. Florence.

L'ange rouge vole inutilement au-dessus du couple en montrant de l'index la sortie, en bon serviteur de l'autorité suprême...

Le monde nouveau se fera sans lui qui restera le gardien zélé des portes de l'Eden

Son épée qui à l'origine était couverte d'argent

A noirci comme une épée de bois

Adam et Eve marchent sur une terre nouvelle

Sur une glaise qu'ils vont devoir modeler comme Dieu avait modelé l'argile pour créer l'homme

Ils sont les seuls créateurs du monde à venir

Ils marchent...

Adam retarde le moment d'affronter du regard la réalité

Eve terrorisée affronte déjà la vie libre et dangereuse

Tous deux, les pieds sur la terre, marchent vers leur re-naissance

Masaccio. Adam et Eve. Chapelle Brancacci. Florence.
Masaccio. Adam et Eve. Chapelle Brancacci. Florence.

Alors que l'ombre est absente de la fresque de Masolino, comme des icônes, elle est ici présente...

L'ombre d'Adam et Eve est projetée sur le sol...

Elle est derrière eux...

C'est donc vers la lumière

Que ces deux aveugles

Tragiques

Avancent !

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Publié le par chriswac
Publié dans : #VOYAGES..., #Peintres
Cimabue le Crucifix. Santa Croce. Florence.

Il est suspendu entre terre et ciel, immense dans l'église Santa Croce pour laquelle il a été peint par Cimabue en 1287.

Par malchance, peu de temps avant la catastrophe du 4 novembre 1966, il a été transporté dans le musée où il fut recouvert par les eaux boueuses de l'Arno qui inondèrent la Florence historique, détruisant ou endommageant gravement des milliers d'oeuvres inestimables.

En une journée le Crucifix de Cimabue subit des dégradations que sept siècles lui avaient épargnées!

Cimabue le Crucifix. Santa Croce. Florence.
Cimabue le Crucifix. Santa Croce. Florence.

Pendant dix ans des artistes travaillèrent à sa restauration. Ils n'essayèrent pas de reconstituer les parties disparues. Ils fixèrent grain à grain les pigments de couleur qui se détachaient. Là où la toile collée sur le bois avait été délavée, ils appliquèrent une peinture dont la teinte en harmonie avec les surfaces sauvegardées respectait l'oeuvre sans la brutaliser.

Cimabue le Crucifix. Santa Croce. Florence.
Cimabue le Crucifix. Santa Croce. Florence.
Cimabue le Crucifix. Santa Croce. Florence.
Cimabue le Crucifix. Santa Croce. Florence.

... Le Christ est de nouveau exposé aux regards dans sa gloire et sa misère...

Il est à la fois le Christ glorieux des icônes byzantines et le Christ outragé de Grünewald qui porte imprimé dans sa chair les maladies humaines...

Est-ce la raideur de la mort qui le détache de la croix?

Est-ce la légèreté qui déjà le décloue et le projette en avant comme un danseur?

Ses yeux sont clos comme sont clos les yeux de Bouddha endormi

La paupière baissée n'est pas frontière entre les deux réalités

Cimabue le Crucifix. Santa Croce. Florence.
Cimabue le Crucifix. Santa Croce. Florence.

Les mains sont ouvertes

Le corps du crucifié ne tire pas sur elles

Elles se détachent sur un fond de ciel

Elles donnent ce que l'homme a de plus précieux

Elles donnent le sang

Qui est la vie

Marie et jean

Présents et douloureux

Ont les yeux ouverts

Ils nous regardent

Ils nous invitent à venir à leur côté

Cimabue le Crucifix. Santa Croce. Florence.

Image humaine de dieu

Image divine de l'homme

Le Christ de Cimabue sauvé des eaux

A pour toujours le visage menacé par l'oubli

Des morts que nous aimons

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Publié le par chriswac
Publié dans : #MONTMARTRE Peintres.Artistes.Clébrités, #Peintres

 

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Perrine Chartrain a quitté Montmartre.

Elle vit aujourd'hui en Bretagne avec son chien Piotr et sa chatte dont j'ai oublié le nom.

Elle n'expose plus sur le trottoir de la rue Girardon ses oeuvres offertes aux passants, à leurs regards, à leur attention ou à leur indifférence.

La dernière fois que je l'ai vue, elle habitait encore rue Damrémont et venait de terminer une toile, "Le crieur de rue".

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Une toile qui lui ressemble avec ce personnage qui hurle dans l'indifférence d'une ville enneigée.

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La tête renversée, les bras ouverts, il crie.

Son cri monte vers le ciel blanc.

Dans le silence de la cité il crie.

Différent de l'homme de Munch dont le cri replié sur lui-même est désespoir absolu, il espère une réponse, une attention. Ses yeux sont ouverts et prêts à accueillir le moindre signe....

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Les fenêtre sont vides. nous sommes à Montmartre, dans l'enchevêtrement des toits de zinc, les toits bleutés de la Butte...

Ici ou là un atelier d'artistes avec ses grandes baies vitrées...

Une fenêtre, une seule s'éclaire. Une femme vêtue de noir y apparaît. Va t-elle ouvrir? Va t-elle se pencher vers l'homme qui appelle?

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La neige, le froid, mordent les mains nues et le corps à peine vêtu du crieur...

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Il crie sur une place, un espace dégagé, une piste de cirque....

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Les maisons géométriques et naïves dansent comme elles le font souvent sur la Butte. Elles forment un décor de conte de fée, des maquettes fragiles comme des cubes de carton.

Et si la lumière au centre de la toile, la fenêtre éclairée était l'étoile, la promesse d'une rencontre, le feu allumé dans un coeur par le crieur, par les silex de ses mots qui se heurtent dans le ciel froid?

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...Et si le Crieur de rue n'était autre que l'artiste dont les oeuvres sur le pavé crient vers les passants ?

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Liens : Perrine Chartrain: 

                                          

Montmartre. Peintre. Perrine Chartrain. Rue Girardon.

Peintre à Montmartre. Perrine Chartrain. (2)

 

Liste et liens: Peintres et personnages de Montmartre. Classement alphabetique.

Rues de Montmartre. Classement alphabétique.

Cimetière Montmartre. Classement alphabétique. Calvaire et Saint-Vincent.

Listes des liens des monuments et lieux typiques de Montmartre historique et moderne.


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                                          Pastel de Perrine. J'ai accroché dans mon salon cet enfant triste et doux, dont le visage reflète le ciel.

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Publié le par chriswac
Publié dans : #VOYAGES..., #Peintres

 

 

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Les touristes qui débarquent par vaporetti bondés sur l'île de Burano se précipitent dans les ruelles et sur les quais, mitraillant les maisons multicolores et se laissant happer par des boutiques de souvenirs qui proposent des napperons de dentelle, spécialité du lieu...

Venise2 056

Peu d'entre eux visitent l'égise Saint-Martin. Peut-être ont-ils peur de recevoir sur la tête le campanile qui penche presque autant que la tour de Pise...

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Ils passent à côté du chef d'oeuvre accroché sur le mur de gauche de la nef : La crucifixion de Tiepolo. Une toile immense à la composition théâtrale.

En la découvrant, je me suis senti désorienté, je ne savais que regarder et malgré moi j'étais attiré par le vide, l'espace terreux au pied de la croix. c'est autour de cet espace presque circulaire que s'organise la scène...

Le gris cendré de la nuit envahit l'espace où n'émergent vraiment que les taches rouges de la robe de la Vierge, de la tunique d'un soldat et la blancheur du crucifié.

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L'unité est donnée par le mouvement circulaire, de la gauche avec les soldats qui jouent aux dés la tunique du Christ, à la droite où un personnage bien en chair regarde la vierge évanouie. Entre les deux une foule de spectateurs immobiles regardent la scène du supplice. Galerie de visages douloureux qui s'estompent ou se précisent selon leur éloignement.

On voit ici les soldats, en partie cachés par le médaillon du commanditaire, un riche apothicaire de la ville. Le portrait en grisaille paraît artificiel dans son cadre doré. La pose du donateur est précieuse. Il montre du doigt la scène du supplice. Son demi sourire, sa perruque poudrée font de lui un intrus. S'est-il rendu compte du tour que lui jouait Tiepolo?

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Le bon larron est maintenu sur le sol. Les soldats romains l'attachent au bois de sa croix. Un homme a déjà frappé sur le clou qui transperce son poignet. Le larron est tourné vers un soldat qu'il semble implorer comme s'il pouvait attendre de lui la compassion fraternelle. Ses pieds sont noircis de terre. Remarquons que son corps torturé est parallèle au corps de Marie évanouie. Il y a là une intuition mystique du peintre. Marie évanouie partage la douleur de son fils et en même temps celle du larron, c'est à dire des hommes voués à la mort et à la résurrection.

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A l'opposé, le deuxième larron, déjà hissé sur sa croix se tord convulsivement. Il refuse de regarder le Christ. Il est tout entier possédé par sa douleur et son angoisse. Il préfigure la damnation. Le raccourci audacieux de Tiepolo le transforme déjà en chair malmenée. La couleur de son corps contraste avec celle du Christ. Elle évoque la chaleur infernale.

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Au premier plan Marie, aussi blanche que son fils est soutenue par Madeleine et Marie Cléophas, soeur de la Vierge, qui selon la tradition aurait assisté à la crucifixion. Le visage de Marie est beau, les yeux à peine ouverts. La mère vit intensément la passion de son fils. Elle lui a donné la vie et de tout son amour tente de prendre sa mort. Les trois femmes forment dans la toile de Tiepolo le groupe qui s'oppose à la soldatesque mâle. Leur présence de femmes est celle de la douleur et de la douceur. Marie est représentée comme une accouchée.  

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Peu de choses à dire du personnage bedonnant qui regarde la Vierge, sinon qu'il est à l'image du chrétien qui a du mal à affronter le mystère divin et que tourné vers la Vierge, il est mené par elle plus haut. Par son intercession, il va vers le Christ. Par la souffrance de la mère, il approche de la souffrance de Dieu que son esprit ne pouvait concevoir.

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Enfin, dominant l'agitation, le Christe ouvre ses bras dans le ciel gris. Il n'est pas déformé par la douleur. Il est déjà rayonnant. Il semble s'élever.Il est paradoxalement le personnage le plus apaisé de la toile. Il a les yeux tournés vers son père. L'esprit le ramène vers son créateur où tous trois ne feront plus qu'un.

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 A ses pieds Jean est représenté plus âgé que dans la tradition. Il est probable que Tiepolo lui-même se soit peint sous ses traits. 

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La toile crépusculaire est celle de l'humanité qui se débat dans la nuit et qui trouve dans le Christ une raison d'espérer. Voilà pourquoi le Christ s'élève au-dessus de son supplice comme un grand oiseau et entraîne avec lui les hommes qui acceptent de le suivre...

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Sans lui c'est cet espace terreux, cet espace vide qui s'imposerait...

Terre où l'on ensevelit les corps...

Néant où disparaissent les vies que l'amour n'a pas sublimées... 

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Liens : Venise :

Venise. cimetière San Michele. Tombes remarquables. (5). Carl Filtsch. Viterbi. Toldo. Pasqualin. Canova...

Venise. Cimetière San Michele. Tombe de Sonia Kaliensky. Enrico Butti. (3)

Venise. Cimetière San Michele. (4). Tombe de Petrus Penzo.

Venise. Cimetière San Michele. Stravinski, Diaghilev... (2)

Venise. Cimetière San Michele. Les Anges. (1)

Memorial Ghetto de Venise. Le monument de l'holocauste. Arbit Blatas.

Ghetto de Venise. (1) Ghetto Novo. Scuola Tedesca.

Venise. Crypte de San Zaccaria.

Marc Quinn. Venise. Breath Le Souffle. San Giorgio Maggiore. Alison Lapper.

Île de Burano. Venise. Maisons. canaux. Photos.

 

Liste des liens. Voyages.

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Publié le par chriswac
Publié dans : #VOYAGES..., #Peintres

Nice 052

Il faut laisser aux spécialistes de la Bible l'interprétation de cet épisode stupéfiant. Il n'est pas certain d'ailleurs que dans la profusion des études et des commentaires une chatte retrouverait ses petits! 

Chagall le représente en poète et non en intellectuel. Il le situe dans une nuit qui presque noire sur la terre (le bas de la toile) s'éclaircit peu à peu vers le ciel où le coq brille comme un soleil. 

Rappelons succinctement l'histoire. Jacob a fait passer un gué à ses femmes, ses 12 garçons, sa fille, ses servantes et ses biens...  Quand il veut passer lui même "quelqu'un" lui barre la route. Il s'en suit un combat qui dure une partie de la nuit jusqu'à ce que l'aurore pointe enfin (un côté "petite chèvre de Monsieur Seguin"). Jacob reçoit un coup à la hanche qui le fait boîter. Il demande son nom à son adversaire qui ne le lui dit pas mais l'avertit qu'il ne s'appellera plus Jacob mais Israël, ce qui signifie "celui qui a lutté avec Dieu". Jacob lui demande de le bénir.

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On voit ici l'ange lumineux qui bénit Jacob prosterné devant lui. Le combat est fini, les deux adversaires sont apaisés et sourient comme des amoureux après l'étreinte.

Les ailes de l'ange, plumes et feuillages se déploient, prêtes à l'envol. Un arbre sur la gauche évoque le buisson ardent mais c'est le corps de Jacob qui est embrasé.

 

Nice 057

Sous les pieds des lutteurs, on voit des maisons et des palissades ainsi qu'une poule qui s'enfuit, pendant nocturne du coq d'or en haut de la toile.

Chagall a représenté Vitebsk, comme il le fait si souvent. "Ma ville, triste et joyeuse! enfant je t'observais... Alentour, des églises, des clôtures, des boutiques, des synagogues, simples et éternelles, comme les bâtiments sur les fresques de Giotto."

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Autour des lutteurs, il a peint des épisodes de la vie de Jacob.

A Vitebsk, il allait souvent chez un peintre d'icônes et voyait comment l'artiste peignait autour de la figure d'un saint, les épisodes de sa vie.

En haut, à  gauche, un couple amoureux s'enlace sous un dais rouge. Il s'agit de Jacob et Rachel. Le puits évoque le lieu où Jacob rencontra celle qui sera sa femme et lui donnera deux fils Joseph et Benjamin.

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A droite est représenté un autre épisode qui concerne précisément Joseph, le fils préféré. 

Joseph jalousé par ses frères est jeté dans un puits. Ils trempent sa tunique dans le sang d'un agneau pour faire croire à Jacob qu'il a été assassiné. 

On connaît la suite, une longue histoire qui commence par le sauvetage de Joseph tiré du puits par des marchands passant par là avec leur caravane...

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     En bas de la toile le prophète Jérémie pleure sur les malheurs à venir de son peuple. Et dieu sait qu'il a de quoi pleurer!

Il évoque également Jacob serrant la tunique de son fils.

Mais qu'il se console...

Jacob sortira du puits...

Les Juifs survivront aux pires persécutions...

Nice 059

C'est cet espoir que chante en haut de la toile le coq d'or, symbole de vie. Il chante le matin qui va naître, la nuit du combat qui s'achève, et la victoire de l'homme contre Dieu.

Une victoire que Dieu a voulue mais qui a blessé l'homme qui désormais restera boîteux...

Libre à nous de l'interpréter...

Dieu se laisse empoigner par l'homme qui se présente à lui dépouillé de tout ce qui fait sa représentation sociale (Les femmes, les enfants, les biens de jacob sont de l'autre côté du gué) et cette rencontre est un combat spirituel... 

Si l'on est insensible à ce mysticisme, on peut y voir une métaphore de l'artiste ou de l'utopiste, un hymne à tous ceux qui luttent pour aider les autres à trouver des chemins, à tous ceux qui peignent, qui écrivent, qui chantent...

A tous les voleurs de feu...

 

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Liens Chagall. Nice.

Chagall. Moïse et le buisson ardent. Musée de Nice.

Chagall. l'Arche de Noé. Musée de Nice.

Chagall. Le cheval Roux. Musée de Nice. Guerre. Pogroms.

Chagall. Message Biblique. Musée de Nice. Moïse.

Chagall. Abraham et les Anges. L'hospitalité. Nice      

 

Chagall. Les Fables de La Fontaine. (1) Gouaches.

Chagall. Les Fables de La Fontaine. (2) Gouaches.

 

Nice. Sainte Réparate. Martyre. Trachel.

Nice. Carrousel de Cimiez. Art Forain. Matisse.

Niki de Saint Phalle. Nice. Mamac.

Nice. Adam et Eve. Maison peinte. Rue de la Poissonnerie.

Nice. Fontaine du Soleil (1) Apollon. Alfred Janniot.

Nice. Fontaine du Soleil (2) Les statues de bronze. Alfred Janniot.

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                                                 Esquisse préparatoire (Musée Chagall)

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                                                         Esquisse préparatoire (Musée Chagall)       

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Publié le par chriswac
Publié dans : #VOYAGES..., #Peintres

Nice 231

                     Le Repos de la Sainte Famille pendant la Fuite en Egypte (huile sur toile) 1880

C'est une toile onirique, un tableau nocturne exposé au musée des Beaux Arts de Nice, dans une galerie étroite où il n'est guère mis en valeur.

Elle représente le repos de la Sainte Famille pendant la fuite en Egypte. elle a été peinte en 1880 par Luc Olivier Merson.

merson le soldat de marathon

                                                   Le Soldat de Marathon (1869)

      Luc Olivier Merson (1846-1920) peu connu aujourd'hui, eut son heure de gloire quand sa toile Le soldat de Marathon reçut en 1869 le Prix de Rome. La scène un tantinet ridicule montre le héros  Phidippidès mourant d'épuisement après avoir couru depuis Marathon pour apporter sur l'Agora la nouvelle de la victoire.

Perchés sur leur banc de marbre, les élus s'émerveillent et gesticulent. Une foule mouvementée remue à l'entour, partagée entre la peine et le soulagement.

Usant ses dernières force pour brandir la palme de la victoire, le héros à plat ventre montre son derrière vers lequel se tend une main compatissante.

L'oeuvre porte en germe tout ce que sera la production mersonienne, académisme, théâtralité influencée par David et cependant, originalité. La position, la nudité du soldat, donnent à la composition son étrangeté.

Nice 231

 

Avec le Repos, Merson semble se libérer des poncifs. Il ne cherche pas à faire pittoresque et à surjouer l'exotisme. Au contraire. La toile est grise, ciel et désert se confondant. Elle est mangée par une nuit où les étoiles sans lumière sont clouées au ciel. La ligne d'horizon est noire et menaçante.

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Joseph dont le visage est dans l'ombre est couché sur le sol se protégeant de la fraîcheur de la nuit dans une couverture qui ressemble au froc des moines. Un feu finit de se consumer à côté de lui. La flamme claire se prolonge par une fine fumée qui évoque l'encens des autels.

Le bras devant son visage fait écran à la lumière qui émane de l'enfant endormi.

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L'âne à la longe broute quelques rares herbes. Il est l'animal humble et fidèle, celui qui porte sur son dos la mère et l'enfant menacés. C'est l'âne encore qui portera le Christ à son entrée à Jérusalem... 

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A gauche de la toile, le sphinx, visage aux yeux aveugles tournés vers le ciel comme s'il interrogeait les dieux muets de l'Egypte, abrite entre ses pattes Marie endormie et son enfant dont émane une lumière qui se propage sur la poitrail de pierre, sur le visage de la mère et sur le sable blanc au pied du monument.

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Le silence de la scène, l'étrange lumière, l'immensité du décor, la majesté désemparée du monument de pierres donnent à la toile sa dimension mystérieuse et quasi surréaliste. Chirico, Dali l'auraient admirée...

 merson françois d'Assise

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      Elle est comme cette toile de Saint François parlant aux poissons, la part la plus originale et la plus poétique de Merson dont bien des oeuvres religieuses ou historiques n'ont pas cette magie et donnent dans le conventionnel et le pompiérisme.

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Même si ce conventionnel, comme l'immense mosaïque du Sacré-Coeur ne manque pas de grandeur... 

 

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Liens : Nice :

Chagall. Moïse et le buisson ardent. Musée de Nice.

Chagall. l'Arche de Noé. Musée de Nice.

Chagall. Le cheval Roux. Musée de Nice. Guerre. Pogroms.

Chagall. Message Biblique. Musée de Nice. Moïse.

Nice. Sainte Réparate. Martyre. Trachel.

Nice. Carrousel de Cimiez. Art Forain. Matisse.

Niki de Saint Phalle. Nice. Mamac.

Nice. Adam et Eve. Maison peinte. Rue de la Poissonnerie.

Nice. Fontaine du Soleil (2) Les statues de bronze. Alfred Janniot.

Nice. Fontaine du Soleil (1) Apollon. Alfred Janniot.

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                                                                     Saint Edmond (Merson)

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Publié le par chriswac
Publié dans : #VOYAGES..., #Peintres

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"Moïse faisait paitre le troupeau de Jéthro... Il mena le troupeau derrière le désert, et vint à la montagne de Dieu, à Horeb"

Le tableau est divisé en trois parties inégales, celle de droite, la plus large représente Moïse tombant à genoux.

La deuxième représente le buisson ardent et l'ange de Dieu dans un cercle de lumière.

La troisième montre Moïse entraînant après lui comme dans un manteau le peuple sauvé de la fureur de Pharaon par le miracle de la mer qui se referme sur les chars et les guerriers.

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Le ciel est parcouru d'oiseaux et d'anges. Des rayons sortent de la tête de Moïse. Chagall a tranché dans le vieux débat sur cette particularité de Moïse quand il redescend vers le peuple après l'épisode du veau d'or. Le texte hébreu est généralement traduit ainsi : "La peau de son visage était devenue rayonnante" mais le mot hébreu qui signifie "rayonner" signifie aussi "porter des cornes" (sans être cocu pour autant).

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Pour la Vulgate, Moïse est descendu, non pas rayonnant mais cornu. Michel Ange s'en est souvenu en sculptant son fameux Moïse.

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Chagall a trouvé la résolution de l'énigme... Il a donné à Moïse des cornes de lumière!

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"L'ange de l'eternel lui apparut dans une flamme en feu, au milieu d'un buisson; et voici, le buisson était tout en feu, et le buisson ne se consumait point."

Au sommet de la toile, dans l'arc en ciel, signe de l'alliance, Dieu apparaît sous la forme d'un ange au-dessus du buisson ardent qui flambe sans se consumer. Il donne à Moïse la mission de libérer le peuple hébreu et de le conduire hors d'Egypte.

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"Va je t'enverrai auprès de Pharaon, et là tu feras sortir d'Egypte mon peuple, les enfants d'Israël."

L'ange de Chagall ouvre en grand les bras et sourit. Ce geste d'accueil et d'ouverture annonce une autre ouverture, celle de la mer.

On rêve d'une telle présence au-dessus des chambres à gaz et des fours crématoires... 

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La gauche de la toile montre la réalisation de la promesse et le passage de la Mer Rouge. Moïse dont la tête rayonnante regarde les tables de la Loi, entraîne comme dans un manteau le peuple protégé de ses poursuivants par la vague qui submerge les guerriers et les chars.

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"Moïse étendit la main sur la mer... Toutes les eaux se fendirent. Les fils d'Israêl vinrent au milieu de la mer sur la terre sèche."

Alors que Moïse descendait de l'Horeb en portant les Tables de la Loi, ici c'est le peuple qui est entraîné vers Moïse dont le visage est lumière. Le peuple poursuivi et persécuté monte vers la vie.

Message d'espoir malgré toutes les persécutions pendant lesquelles il est difficile de percevoir autre chose que le silence assourdissant de Dieu.

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"Les Egyptiens les poursuivirent, et tous les chevaux de pharaon, ses chars et ses cavaliers pénétrèrent à leur suite au milieu de la mer."

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Effrayés et bousculés, les chars et les chevaux essaient en vain d'échapper à la vague qui les submerge. Il est étonnant de constater la ressemblance entre le buisson en flammes et les corps tourmentés des guerriers dont les bras rouges s'élèvent comme les branches en feu.

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Le même thème est repris par Chagall sur cette toile exposée dans le même musée. Seul le passage de la mer rouge est représenté sans l'épisode du buisson ardent. Moïse ordonne à la mer de s'ouvrir, il est montré ici en marche comme s'il accompagnait les Hébreux. Un ange porte la Torah tandis qu'un autre guide le peuple. en haut de la toile le roi David est représenté jouant de la harpe et à gauche le Christ en croix. On peut voir également un poisson jaillir de l'eau, symbole de vie.

Toiles peintes comme on lit aux enfants un conte de fée...avec le désir momentané d'y croire et de transformer le monde.

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Il en reste quand on s'éloigne l'éblouissement d'un instant et l'émotion d'avoir cru si brièvement que ce soit à une belle histoire où les bonnes fées viennent à bout des monstres...

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Liens : chagall. Nice.

  Chagall. l'Arche de Noé. Musée de Nice.

Chagall. Le cheval Roux. Musée de Nice. Guerre. Pogroms.

  Chagall. Message Biblique. Musée de Nice. Moïse.

Chagall. Lutte de jacob et de l'ange. Musée de Nice.

Nice. Sainte Réparate. Martyre. Trachel.

Nice. Carrousel de Cimiez. Art Forain. Matisse.

Niki de Saint Phalle. Nice. Mamac.

Nice. Adam et Eve. Maison peinte. Rue de la Poissonnerie.

Nice. Fontaine du Soleil (2) Les statues de bronze. Alfred Janniot.

Nice. Fontaine du Soleil (1) Apollon. Alfred Janniot.

Luc Olivier Merson. La Fuite en Egypte. Nice. Musée

 

 

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