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     la nouvelle exposition du musée de Montmartre (20 mars-13 septembre 2026) m'a permis, je l'avoue de découvrir des peintres que je ne connaissais pas et qui ont vécu quelque temps à Montmartre, à l'époque où la Butte accueillait des artistes qui allaient prendre place parmi les plus grands de l'histoire de la peinture

    L'exposition retrace la vie de ces deux Hollandais, en rupture avec leur société, qui s'aimèrent follement et voulurent vivre dans la liberté et la créativité. Ce qui frappe tout d'abord c'est l'aspect fusionnel de ce couple mais peu à peu, à travers les salles, on constate que s'il y a un lion et une lionne, la part du lion est pour le moins prépondérante.

                            Broderie d'Adya ; "Dieu avertit" avec Eve au centre et Adam à droite. 1929

    La dernière salle qui se veut féministe nous rappelle qu'en ces temps passés qui paraissent à des années lumière, la femme n'avait pas une place égale à celle de l'homme. Ce qui expliquerait que les oeuvres d'Adya eussent été moins recherchées, moins collectionnées. 

                                                                         Otto et Jean Luc

    Soit. Mais il me semble que la raison principale vient tout simplement de la différence de talent créatif entre les deux amoureux. les toiles d'Otto m'ont paru plus fortes et plus achevées que celle d'Adya.

                                                                 Adya et   les deux filles

                                    Adya cousant à la machine. Bateau Lavoir. 1905. Otto Van Rees

Adya et Otto se rencontrent en 1903, tous deux peintres. Otto débarque à Paris en 1904 et grâce à Picasso trouve un logement atelier au Bateau Lavoir où Adya le rejoint.

                                                Otto au Bateau Lavoir. 1905. Adya van Rees

Le début de l'exposition nous montre quelques oeuvres de cette époque, notamment Adya peinte par Otto au Bateau Lavoir et parallèlement, Otto peint par Adya. Il me semble qu'alors la femme, de 8 ans son aînée, est plus expressive, plus originale.

Si l'on excepte un long voyage en Italie, les Van Rees partagent leur année française en deux, six mois à Montmartre et six mois à Fleury en Bière, près de Barbizon où ils reçoivent de nombreux artistes.

                                                              Adya allaitant. 1906. Otto Van Rees

Une première fille naît en 1906, Aditya dont on verra l'importance tragique qu'elle eut dans leur vie.

                                                     Aditya au berceau. 1906. Adya Van Rees

Une 2ème fille, Magda naîtra en 1910 et enfin un garçon plus tard en 1917. La famille a des convictions libertaires et élève les enfants dans un climat d'affection et de liberté. Malgré leurs convictions anti conventionnelles, les parents décident de se marier, pour ne pas compliquer la vie de leurs enfants.

Ils passent beaucoup de temps à jouer avec leurs filles comme le montrent les photos des été heureux à Fleury en Bière. Ils leur fabriquent des jouets. 

 Pour l'anniversaire d'Aditya Otto peint ses jouets avec, témoignage de son admiration pour les estampes japonaises, des poupées geishas et l'oiseau de l'immortalité, la grue. Le soleil rouge également dans lequel sont inscrits le nom et l'anniversaire de la fillette tant aimée.

                                                        Adya au lit. 1909. Otto van Rees

L'un et l'autre commencent à être reconnus. Otto expose chez Berthe Weill et Adya au Palais Galliera.

                                                     Portrait d'Otto. 1908. Adya van Rees d'Utilh

En 1911 ils quittent Montmartre pour Montparnasse. 

Ils continuent de faire de nombreuses rencontres et de nouer des amitiés avec les peintres les plus novateurs. Otto entre dans une période qu'on peut appeler "cloisonniste". Il réalise alors, à mon avis, quelques unes de ses meilleures toiles

                                                           Adya au chapeau. 1909. Otto.

                                                                Nu sous un parasol. 1909. Otto.

                                                                   Le paradis. Otto.

    Cette période dure peu de temps et l'influence de leurs amis cubistes (Juan Gris, Braque, Picasso) devient manifeste. Le couple qui poursuit sa vie amoureuse et artistique comme deux égaux, sans attribuer une quelconque prééminence à l'un ou à l'autre, entre en cubisme! 

                                                               Baigneuse. 1911. Otto

     Une période où à quelques exceptions près, leurs oeuvres sont, soit trop proches d'originaux, soit trop édulcorées. J'avoue ne rien retenir ou presque de ces années cubistes, sauf peut être un petit tableau funèbre d'Adya représentant la maison mortuaire de Léon Bloy qu'elle avait rencontré et dont elle aimait la lecture sociale de l'Evangile comme les violentes diatribes contre les puissants et ceux dont la foi hypocrite est oublieuse de la priorité à donner aux plus démunis.

                                      La maison funèbre de Léon Bloy. 1917. Adya Van Rees d'Utilh

    La partie réservée au cubisme est la plus vaste et la plus étoffée de cette exposition. Les cubistophiles s'en réjouiront sans doute.

                                                               Tête de femme. 1910. Otto

     Nous préférons ne pas nous attarder et monter au 2ème étage, pour, après avoir jeté un regard toujours ému sur la chambrette d'Utrillo et l'atelier de Suzanne Valadon,  retrouver nos deux peintres dans une salle surprenante car soudain rien n'y subsiste ou presque du cubisme et tout confirme un retour à la figuration.

      Otto avant ce retour et la naissance de leur fils, avait rejoint l'armée de son pays où il ne resta pas longtemps, ses dessins et ses collages ayant été selon les autorités militaires signes de déséquilibre mental! Bizarrement (ou non) c'est pour la même raison que les Nazis exposeront en 1937 certaines de ses oeuvres et de celles d'Adya dans l'espace dédié à "l'art dégénéré". 

                                                  Adya et les trois enfants. 1918. Otto

En 1919 alors que la famille est en route vers l'Italie, leur train percute avec violence l'Orient Express. Leur wagon est broyé et Aditya est tuée tandis qu'Otto grièvement blessé est transporté à l'hôpital.

                               La famille. 1918. Toile inachevée après la mort d'Aditya. Otto

La toile "La famille" qu'Otto avait commencée pendant les jours heureux prend toute sa dimension pathétique. Elle est l'image d'un bonheur révolu. Elle ne sera jamais achevée.

Adya ne se remettra pas totalement de la mort de sa première fille. Il faudra plusieurs années avant qu'elle puisse peindre de nouveau.

Quelques autres toiles figurent dans ces salles. 

                                                         La maison bleue. 1926. Otto.

                                                           Chez Remy. 1927. Adya

Lors d'un court séjour en Belgique, Adya parvient à reprendre les pinceaux et cette vue de la plage sous un ciel tourmenté, ce paysage qui se disloque, ce cheval blanc, seul être vivant, sont comme un paysage intérieur et tragique.

Comme ces dahlias (1926) qui jettent leurs dernières teintes automnales dans un pichet d'étain.

La blessure qui ne se referme pas est sans doute en partie responsable de la séparation du couple en 1934. Otto part vivre aux Pays Bas et Adya reste à Paris et vit parfois en Suisse.

                                                                    Coin d'atelier. 1944. Otto

Otto a une liaison avec une autre femme, Micha, mais lorsqu'il veut l'épouser, Adya refuse de divorcer.

                                                          Nature morte au pichet blanc. Otto

Ce n'est qu'en 1951 que le couple se reformera, comme si leur amour et leur parcours artistique avaient été trop forts pour disparaître.

                                                    Dieu avertit. Broderie de laines. Adya

   Adya est alors presque aveugle et ne peut plus broder, comme elle l'avait fait, de grandes tapisseries.

Otto meurt à 74 ans, son vélo ayant été renversé par un taxi.

Il y a quelque chose de la fatalité dans cette vie marquée par un premier accident qui provoqua la mort de sa fille et ce dernier qui provoqua la sienne.

Adya survivra deux ans avant de mourir.

                                                             Adya brodant. 1911. Otto

La dernière salle insiste sur le peu de reconnaissance qu'elle avait eue alors qu'elle avait participé avec Otto à l'effervescence créatrice du début du XXème siècle et qu'elle avait fait partie comme lui du mouvement Dada.

Il est mentionné qu'elle reçut enfin une juste reconnaissance, à partir de 2010!

                                                               Adya. 1910. Otto

Peut-être les oeuvres d'Adya exposées à Montmartre ne sont elles pas les plus achevées de sa création et ce serait alors regrettable de n'avoir pas eu l'occasion de découvrir pleinement cette artiste.

L'exposition se termine avec une de ses broderie, assez terne à côté de portraits faits par Otto dans les meilleures années, colorés, amoureux.

En conclusion je trouve cette exposition intéressante car elle nous entraîne dans une aventure qui traverse quelques grands moments de la création picturale. Elle nous permet surtout de connaître une femme et un homme exceptionnels.

Côté moins euphorique, je ne suis pas sûr que ces peintres restent importants pour moi. Quelques oeuvres mises à part, toutes de la période figurative, ils ne m'ont pas vraiment touché. Peut être leur recherche constante, leurs adhésions successives à différents courants explique t'elle l'impression que l'on peut avoir d'une dispersion et la difficulté de trouver un style propre, une voie personnelle et affirmée.

Liens. Artistes personnalités de Montmartre

    La voie fut créée en 189I sous le nom de Passage Lamarck.

                                               (ancien tracé de la rue qui tournait en équerre à gauche )

Elle partait de la rue du Mont Cenis et rejoignait la rue Caulaincourt par un tracé en équerre.

     En 1933, le Passage Lamarck est prolongé jusqu'à la rue des Saules et elle est appelée rue Paul Féval.

     La partie en équerre prend alors son indépendance sous le nom de rue de l'Abbé Patureau et rejoint par plusieurs escaliers la rue Caulaincourt

Toute cette transformation de la Butte se fait sur les vieilles maison du village et sur une partie du Maquis et des terrains plus ou moins vagues. 

 L'écrivain Paul Féval (1816-1887), alors populaire et bien vu par les autorités religieuses, auteur de 70 romans, 70 nouvelles, 30 pièces de théâtre fut choisi pour la nommer.

Son abondante production est tombée dans l'oubli, exception faite de son roman Le Bossu (1857) maintes fois porté à l'écran. Parmi les plus célèbres acteurs incarnant Lagardère : Pierre Blanchar, Jean Marais, Daniel Auteuil.

Certains sites font de Paul Féval un habitant du XVIIIème, rue Marcadet. Je n'en ai trouvé aucune confirmation. 

Gil qui a mis un lapin sur le cabaret voisin de la rue le caricature en chouan sur un fond de gibets, de conspirations et de sombres machinations. Il est vrai que Féval a écrit la plus célèbre chanson royaliste "Monsieur de Charrette" à la gloire du général de l'Armée Catholique pendant la guerre de Vendée.

 Prends ton fusil Grégoire
Prends ta gourde pour boire
Prends ta vierge d'ivoire
Nos messieurs sont partis
Pour délivrer Paris

Commençons la visite de la rue par le commencement rue du Mont Cenis, à hauteur d'une école construite à l'emplacement de celle dont Louise Michel fut directrice.

 Un escalier fait l'ascension jusqu'à l'église St Pierre, bordé de gros immeubles tous construits dans les années 1920-30 qui ont détruit la maison de Berlioz, celle dite de Mimi Pinson et les anciens jardins.

                                                                                 Le 1

Nous commençons notre visite de la rue Paul Féval par les numéros impairs. le 1 est un immeuble qui donne sur trois rues, les escaliers de la rue du Mont Cenis, la rue St Vincent à l'arrière. 

                                                                                      Le 3

                                                                              Le 5

                                                                               Le 7

Pas de célébrités à mentionner avant d'arriver au 9. Je devrais écrire AUX 9  car ils sont trois! Le troisième ayant abrité pendant des années une des gloires montmartroises Marcel Aymé.

                                                                                 Le 9

                                                                         Les 9 bis et ter

                                                                             Le 9ter

Le 9 ter mérite une plaque qu'il recevra peut-être malgré la controverse sur l'attitude de Marcel Aymé pendant l'Occupation. Il aurait fait jouer une pièce "Et Vogue la Galère" dont l'idéologie aurait été proche de celle de la Collaboration. Je ne l'ai pas lue mais ce que je sais c'est qu'il fut violemment hostile aux lois de Vichy. Jeanson en témoigne :

« L'apparition de l'étoile jaune souleva la colère des Parisiens et ils surent la manifester, cette colère, à leur risques et périls. Je me souviens très bien que Marcel Aymé le silencieux, que Marcel Aymé dont l'impassibilité n'était qu'apparente, écrivit alors sous le coup d'une émotion qu'il ne put ni ne voulut maîtriser, un article d'une violence inouïe contre les responsables de ces mesures ignobles et humiliantes qui nous atteignaient tous. Cet article, il le proposa en toute innocence à un journal. L'article fut accepté, composé et soumis à l'obligatoire censure allemande qui, comme prévu, en interdit la publication. À l'imprimerie, les typos en tirèrent alors de nombreuses épreuves à la brosse et se firent un devoir de les distribuer autour d'eux avec prière de faire circuler. »

                        Marcel Aymé y habitait, au 5ème étage avec vue directe sur le vieux Montmartre..

Et puis de grosses maisons furent construites sur la rue St Vincent, là où donnaient les fenêtre de l'écrivain.

L'une d'elles servira de logement à des officiers de la Kommandantur.

Et comme  sa voisine, haute de plusieurs étages, elle confisqua la vue qu'avait Marcel Aymé sur le vieux Montmartre (on peut voir son immeuble derrière les maisons).

Il décida donc de prendre ses valises et de s'installer dans un gros immeuble du même style rue Norvins, sur une place qui aujourd'hui porte son nom.

    Jean Marais y a sculpté Dutilleul, le fameux Passe muraille auquel il donna  les traits de l'écrivain.

Dans le même immeuble vit Boris Bergman, poète, musicien, parolier de génie qui collabora avec Bashung venu de la Goutte d'Or. Ce créateur aux dons multiples, théâtre, musique, poésie lança la carrière de Bashung avec notamment "Gaby,Gaby" et "Vertige de l'Amour". Bien qu'habitant un immeuble bourgeois il est à sa place à quelques pas du Lapin à, Gill dans ce Montmartre qui fut épicentre de l'audace culturelle.

Un mystère nous attend après le 9ter. L'immeuble suivant est le 15! Les 11 et 13 ont disparu! Mon hypothèse est qu'avant le brutal lotissement des années trente, il y avait là de petits immeubles villageois. Le 13 notamment aurait abrité un peintre célèbre, Charles Picart le Doux (1881_1959).

Il vécut à Montmartre au début du XXème siècle et fréquenta assidument le Lapin à Gill voisin. Il aurait donc trouvé un atelier à proximité. Il aima Montmartre et participa à de nombreux canulars. Il fit notamment partie de l'UMBM l'Union Maritime de la Butte Montmartre dont le siège était à l'hôtel du Tertre. Après la Ière guerre, il alla vivre de l'autre côté de la Seine et poursuivit une carrière brillante. Ainsi décora t-il des salons du Normandie et des murs du lycée Hélène Boucher.

Il reste encore deux immeubles côté impair :

                                                                                    Le 17

                                                                                Le 19

Et nous arrivons au bout de la rue qui s'étrangle et passe de 12 mètres de largeur à 4 mètres! Passage étroit qui débouche sur la rue des Saules et le mur du cimetière St Vincent

Et maintenant retournons sur nos pas, côté pair! Nouvelle surprise! alors qu'il y a des immeubles jusqu'à l'autre bout de la rue, nous ne trouvons que trois numéros pairs!

Le premier immeuble a son adresse rue du Mont Cenis au 28 et il donne en grande partie sur la rue Féval, avant le 16 qui lui a bien son entrée sur la rue. C'est un gros immeuble post art déco, très apprécié des riches investisseurs pour leur modernité, grandes fenêtres, ascenseur, électricité... Le même architecte a conçu cet ensemble qui continue sur la première rue que nous rencontrons, la rue Gaston Couté.

                                              La rue Gaston Couté avec les mêmes immeubles.

L'architecte qui a signé son œuvre en 1925 est Jean Boucher (1879-1935) à qui l'on doit une vingtaine d'immeubles d'envergure dans Paris, dans ce style difficile à définir qui tente de faire de faire cohabiter sans trop de heurts, Haussmann, l'Art Nouveau et l'Art Déco, mais qui en retient surtout l'aspect cossu et imposant, oubliant la fantaisie et l'innovation.

 Le 16 est précédé, selon une logique propre à cette rue, par le 10. En effet les immeubles sur la rue Couté continuent de posséder une façade mais non pas une adresse sur Paul Féval.

                                                                 Le 10

La rue Patureau qui faisait à l'origine partie de cette voie est maintenant indépendante. Elle aussi voit ses immeubles posséder une façade sur Féval mais pas d'adresse.  J'ai du mal à comprendre cette numérotation surréaliste! Le brave abbé Patureau, curé de Saint Pierre et sauveur du vieil édifice, en perdrait son latin.

                                                                  La rue Patureau

Enfin le dernier numéro pair sera le 4

Qui ne sera pas précédé du 2! Mais d'une partie de l'immeuble qui donne 39 rue du Mont Cenis!

Et voilà une rue très fantaisiste par sa numérotation, un  peu par son histoire et pas du tout par son architecture.

Elle est à l'image de ce que devient Montmartre dans le deuxième quart du XXème siècle. Un quartier de bourgeois que l'on n'appelle pas encore bohème bien qu'ils aient pris la place des artistes sans le sou et des simples gens qui habitaient là quand le Lapin Agile faisait le plein et que les petites maisons villageoises se délabraient lentement en attendant les démolisseurs et les promoteurs.

                                                                            Le 9 ter

Liens : rues et places de Montmartre

Depuis quelques moi sans que jamais on ne la voie, une fée (bien que se désignant au pluriel) pose sur les murs de Montmartre des carreaux blancs qui ressemblent à ceux du métro.

Quelques mots, quelques jeux de mots souvent y sont écrits, accompagnés d'un petit personnage, une jeune femme sportive en bleu de travail.

Evidemment elle nous fait penser à l'artiste que nous avons tant aimée et qui faisait cadeau à Montmartre de ses femmes sensuelles et ironiques, Miss.Tik
 

La filiation paraît évidente même si la réalisation, plus rapide, plus minimaliste ne saurait rivaliser avec la précision, le délié, le génie tout simplement de Miss.Tik dont je ne cesse de regretter que  le vandalisme communal ait lessivé certaines des plus belles œuvres

                                   La fresque lessivée par les services de nettoyage, rue Véron.

Et quand ce n'est pas le vandalisme, c'est le vol tout simplement, car ses œuvres sont désormais exposées dans les musées.

                                               Fresque volée en décembre 2025 rue Houdon

Mais revenons à "Fées des Rues" et à la surprise qu'elle nous réserve à chacune de nos balades sur la Butte.

Je guetterai chaque jour de nouvelles apparitions pour étoffer cet article et remercier ces artistes qui enchantent nos rues.

Mise à jour fin février 2026

Mise à jour mars 2026

   C'est une rue dont le nom et l'emplacement sont peu connus des Montmartrois, surtout de ceux qui tracent des frontières autour d'un Montmartre qui se limiterait à quelques rues du vieux village. Ils oublient que l'ancienne commune était très étendue et que le village allait au-delà de Barbès au sud est.

C'est dans le périmètre à la limite des boulevards Marguerite de Rochechouart et Barbès que se situe notre rue Boissieu.

Créée en 1868, elle est modeste avec ses 41 mètres de long et ses 12 mètres de large. Modeste comme celle qui lui est parallèle vers le sud, la rue Bervic.

  Elle commence au 3 boulevard Barbès et se termine après son court chemin, 8 rue Belhomme.

Elle est baptisée du nom d'un peintre et graveur lyonnais qui fut en son temps célèbre : Jean-Jacques Boissieu (1736-1810).

                                                         (Autoportrait avec la gravure de sa femme)

Il fut même appelé "le Rembrandt français" et Goethe qui l'admirait acquit plusieurs de ses œuvres.

                                                                       Le bouillon

Son talent se révéla principalement dans les eaux fortes car il devint peu après la quarantaine allergique à la peinture à l'huile, ce qui, admettons le, est fort ennuyeux lorsque l'on est peintre!

                                                               (Le bouquet de fête)

Ses toiles cependant révèlent son admiration pour la peinture flamande et pour les intérieurs domestiques. Sur cette toile l'agneau est émouvant, d'autant plus que l'on devine qu'il est là pour servir de repas à la fête.

La rue modeste ne peut dire son histoire et pourtant elle aurait quelques souvenirs à raconter !

Sur cette photo on peut voir les trois rues, Boissieu (dte), Bervic (gauche) et Belhomme (arrière plan), là où se tenait la place.

Avant d'être cette rue ignorée elle fit partie d'une place vivante sur les terrains qui englobaient ses futures voisines les rues Bervic et Belhomme.

Bervic (1756-1822) était un graveur de renom à qui l'on doit une gravure qui figurait souvent dans nos livres d'histoire, celle de Louis XVI.

Belhomme n'a pour titre de gloire que d'avoir été le propriétaire des terrains où se situait la place. Il est raconté, chez wikipédia notamment, qu'il a été maire de Montmartre.

Il faut toujours vérifier les informations wikipédiesques!

On ne trouve nulle part la moindre trace d'un Belhomme à la mairie, sinon dans une lettre de novembre 1831 dans laquelle Jean Louis Véron, le véritable maire, lui demande de passer récupérer un brevet pour une décoration. Belhomme avait été, en effet, récompensé par une médaille pour sa participation aux Trois Glorieuses, ces journées révolutionnaires qui inspirèrent à Delacroix sa célèbre "Liberté guidant le peuple". 

Il y avait un cabaret très fréquenté sur la place Belhomme, à l'emplacement de la rue Boissieu actuelle.

Comme tous les cabarets de Montmartre, il bénéficiait de sa proximité de Paris, avant la barrière de l'octroi. Ce qui l'exonérait des taxes qui frappaient les marchandises et notamment le vin qui entraient dans la capitale.

Il fut un lieu de ralliement pour ceux qui, dès 1840, fomentaient une révolution et préparaient déjà la liste des ministres nouveaux.

Ce qui est savoureux, c'est que le patron était lié aux services de police qu'il renseignait avec diligence grâce à l'agent secret du préfet Delessert, Lucien De La Hodde qui avait gagné la confiance des conspirateurs.

 Les arrestations ne tardèrent pas et le cabaret fut fermé pour deux ans.

Notons qu'un des conspirateurs, Marc Caussidière, se retrouvera sur les barricades de 48, ainsi qu'Alexandre Albert Martin, dit "l'ouvrier Albert. Tous deux feront partie du gouvernement provisoire.

                                                              Caricature de Caussidière par Cham

C'est Marc Caussidière qui démasquera et dénoncera l'agent secret Lucien de la Hodde. Comble d'ironie le même Caussidière sera nommé Préfet de police par Ledru Rollin!

                                                        Alexandre Martin dit l'Ouvrier Albert

    Le cabaret après sa fermeture provisoire rouvrira avec pour tenancier Bastié qui s'était illustré en 1848. Pendant la Commune, les gardes nationaux le fréquentent et en font un de leur cabaret favori. 

   Mais la Commune durera moins longtemps que le Temps des Cerises et ni le cabaret ni Bastié ne lui survivront.

Il ne reste rien de ce lieu qui aurait été digne d'inspirer Balzac! 

La rue Boissieu est aujourd'hui bien calme malgré la proximité de Barbès toujours nerveux.

 Pourtant,  sans le savoir, la brasserie Barbès perpétue à sa manière, le souvenir du cabaret Belhomme. Peut-être (qui sait?) des conspirateurs s'y réunissent ils pour préparer la future révolution? 

Liens : les rues et places de Montmartre

Au rez de  chaussée de l'hôtel de Bel Air au musée de Montmartre une petite exposition affiche un titre un tantinet provocateur : "Sous les Jupes de Montmartre".

Elle porte un regard actuel sur le French Cancan qui  a été une étape de la libération féminine pour celles qui l'ont illustré. 

Ce n'est pas sur la Butte qu'il trouve ses origines mais dans les bals populaires parisiens qui se terminent par "le chahut", jambe levée, dans la première moitié du XIXème siècle.

 Moment de défoulement et de liberté, parfois appelé coin-coin.

Figure impertinente s'il en est à une époque où les femmes portent des culottes fendues.

 Le Chahut inspire le fameux quadrille, danse populaire et provocatrice, emblématique du Second Empire. Offenbach a composé celui qui sera le plus célèbre : le galop infernal d'Orphée aux enfers.

 Nous avons sur la façade de l'Elysée Montmartre une illustration de ce quadrille que les touristes prennent à tort pour le french cancan. Il est venu du bal Mabille pour élire domicile à Montmartre.

Céleste Mogador en fut, notamment au bal Mabille, la plus célèbre interprète. Elle fit une tournée en Angleterre où les british baptisèrent sa danse si "parisienne" French Cancan.

                                                        Quadrille à l'Elysée Montmartre

C'est ce quadrille naturaliste qui débarqua à Montmartre en 1885 avant de devenir définitivement French Cancan avec des danseuses vedettes comme la Goulue et Grille d'égout.  

                                                          la Goulue et Grille d'Egout.

     L'exposition montre à quel point cette danse jugée scandaleuse a été un moment de libération de la femme. Ce qui va à l'encontre des jugements féministes qui l'assimilent à une utilisation à des fins mercantiles du corps des danseuses.

La plus célèbre de ses interprètes est assurément Louise Weber, La Goulue.

Le Moulin Rouge fait d'elle sa tête d'affiche.

Elle séduit par son franc parler, sa liberté de gestes et de réparties.

Toulouse Lautrec la transforme en icône de la Belle Epoque.

Mais elle n'est pas la seule! Des dizaines de cancaneuses participent à ce tsunami de gaité et d'impertinence.

                                          Les noms qu'elles choisissent sont révélateurs de leur esprit moqueur. 

                                                                          Jane Avril

         Nini Pattes en l'Air, la Môme Fromage, la Panthère, Demi Siphon, la Torpille, Cascade, la Bombe, la Vorace, Mimosa, Eglantine, Saphir, Reine des Prés, la Fauvette...

 Elles ont leurs fans qui collectionnent les cartes de visite avec dessin ou photographie de leurs préférées.

                                                                          La Môme Fromage

L'affiche de Chéret représente dans des médaillons quelques unes des célébrités du bal du Moulin Rouge.

     Avec le succès, le french cancan se diversifie et s'enrichit.

Une vraie chorégraphie s'élabore avec de nombreuses figures qui requièrent un grand entraînement et beaucoup de souplesse.

Ces figures portent un nom précis : le croisement, le chahut, le port d'armes, le brisement assis, la charge, le salut militaire, le sceptre, la cathédrale, le pape, le moulinet, la mayonnaise...

                                                                           Le chahut

                                                                      Le croisement

        L'exposition présente plusieurs gravures  de Louis Legrand qui fut proche de Nini Pattes en l'Air.. 

                                                                     Le brisement assis

                               Willette publie lui aussi quelques dessins dans les revues satiriques.

                                                                         Le sceptre

     Le même Willette (dont le square Louise Michel portait le nom avant d'être débaptisé en raison de l'antisémitisme revendiqué par l'artiste) nous montre une jeune femme qui lève la jambe pour indiquer au passant la direction d'une rue connue alors pour ses maisons de rendez vous.

                                                              La rue Navarin... aux Pommes?

Ce dessin souligne avec humour l'ambiguïté de la danseuse de cancan.

Elle fascine, elle est symbole de liberté et d'audace en même temps qu'elle suscite les jugements moraux d'une bourgeoisie qui n'en est pas à une contradiction près.

L'exposition ne prétend pas épuiser le sujet! Elle est utile en ces jours où certains voudraient censurer la chanson de Souchon "Sous les jupes des filles"!

Alors n'hésitez pas à aller "Sous les jupes de Montmartre" et honni soit qui mal y pense!

Liste liens artistes de Montmartre.

                                                                   Affiche de Willette

     Une exposition commencée le 12 septembre et qui ne s'achèvera qu'en juillet 2026 est proposée à la Halle Saint Pierre :  "L'étoffe des rêves".

     L'invitation au voyage sur des toiles fragiles est bien à sa place dans un quartier connu pour son "Marché" aux tissus! 

Des artistes, des créateurs ont utilisé le support textile pour inventer des mondes nouveaux et inviter les curieux à embarquer sur l'onde des étoffes. 

L'exposition est riche et contrastée.

Je n'ai retenu pour que cet article ne soit pas trop long que quelques artistes sur les 36 qui présentent leurs œuvres. 

                                                     Saint Georges et ses gentils dragons

    Je commence par Marion Oster, née en 1960. Elle a passé son enfance en Afrique (Mauritanie puis Mali), ce qui a marqué à vie sa sensibilité. Le mystère, le sacré, la couleur sont présents dans ses créations.

C'est comme si l'Afrique s'exprimait dans une cathédrale byzantine. Les mosaïques sont remplacées par des perles et des boutons mais le miroitement des couleurs est bien là.

                                                              Mère à l'enfant

Le sujet peut être religieux ou profane : la vierge, Saint Georges, une sirène...

                                                                         Sirène repentante

.... Il y a toujours dans le scintillement et l'étrange quelque chose d'un mystère sacré. 

       Voilà maintenant un univers bien éloigné de celui de Marion Oster, celui de Micheline Jacques qui sculpte le tissu comme d'autres le marbre. 

Mais sa main est légère, arachnéenne. Elle enveloppe la proie comme l'araignée dans un cocon transparent qui la préserve ou la tue.

Je ne la connaissais pas, cette artiste belge qui vit en Bourgogne aujourd'hui.

Elle présente un alignement de momies repliées sur elles mêmes, dans une attitude de souffrance. "Solitude". L'isolement sur soi même, le silence, les étoffes qui vous emprisonnent et vous empêchent d'ouvrir les yeux....

J'ai été impressionné par cet alignement de morts vivants, non, de vivants en sursis. De vivants qui se consument sur eux mêmes, dévorés par leur propre feu.

       Loin de cette désespérance, Marie Thérèse Chevalier (1939-2009) donne aux étoffes toute la sensualité que leur douceur et leur souplesse suggèrent. 

Ses réalisations sont  présentées dans des boites de plexiglass, comme derrière des vitrines. Sensuelles plus qu'érotiques.

     L'installation suivante est bien éloignée de cette sensualité. Elle est l'œuvre d'Hervé Bonhert. Ce boulanger pâtissier semble obsédé par la mort comme l'étaient les peintres des vanités de la Renaissance. La tête de mort, de la plus petite à la plus grande, du bébé au vieillard est modelée avec des tissus. La mort n'est pas ossifiée mais adoucie par les textiles. Fragilisée à son tour.

  Les squelettes sont toujours rieurs, ou pour le moins "sourieurs". Vanité des vanités, ils nous rappellent s'il en était besoin que nous sommes en transit.

Moi qui suis gourmand comme un vieux chat, je m'amuse à penser que c'est un pâtissier, champion des crèmes et des chouquettes qui, sorti de sa pâtisserie, confectionne ces alignements de morts qui rappellent les cryptes des couvents italiens.

La mort, c'est aussi l'oubli. C'est pour lutter contre cet oubli  que Shao Liyu Chen nous invite avec ses broderies dans un monde de traditions et de couleurs.

                                                                Scène de rue

L'artiste est née et a vécu à Pékin dans la ville historique avec ses enchevêtrements de murs, de maisons, de tours.

                                                                      Chez le photographe

    Peu à peu le Pékin moderne a détruit la vieille ville. Des avenues rectilignes, de hauts immeubles ont écrasé les ruelles anciennes. Quand Shao Liyu Chen a découvert l'art de la broderie (elle est par sa formation professeur de philosophie) elle a voulu recréer ses souvenirs d'enfance.

                                                          Le chant des oiseaux

Tout un monde disparu que les tissus fragiles tentent de faire revivre.

                                                            Le bonhomme de neige

    Loin de cet univers nostalgique et harmonieux, Stephane Blanquet, peut être le plus connu des artistes de cette expo, nous donne quelques exemples de son imagination exubérante.

Mort et vie mêlées, indissociables; objets et corps pris dans un magma sans horizon.

Il excelle dans la BD et il a également créé des films d'animation. Son univers saturé laisse émerger quelques figures tatouées en voie d'anéantissement.

                                        L'art de Barbara d'Antuono est plus naïf et plus brut.

                                                      Prétexte pour fond rouge

                                      Elle a été marquée par des années de vie à Haïti.

                                                                 Les  yeux noirs

                                                                       Pensées chaotiques sur fond noir

La vitalité et les couleurs, la religiosité et le vaudou, l'homme et l'animal, la foi et les superstitions tout se superpose et s'amalgame dans un univers de poupées magiques et de signes. 

                              L'exposition se clôt avec un brodeur dessinateur musicien suisse (ouf!) Ficht Tanner.

Il laisse aller son improvisation dans des formes et couleurs qui chantent. Il est sans doute l'artiste qui est le moins tourmenté de tous ceux qui présentent leurs œuvres dans la halle.

C'est une de ses broderies qui a été choisie pour l'affiche de "L'Etoffe des rêves". 

         Attirés par ses couleurs et sa fantaisie les visiteurs seront amenés à découvrir des artistes qui avec des tissus et des fils les entraîneront dans leur voyage. 

                                                 Christine Sefolosha (Ascension)

    Ils embarqueront pour le rêve mais aussi pour le cauchemar.

    L'étoffe des rêves

    L'étoffe des cauchemars

    L'étoffe de la mariée

    L'étoffe du linceul

    La vie tout simplement avec ses joies et ses peurs

    Une exposition à ne pas manquer!

Liens

Articles sur les artistes dans ce blog

L'Ecole de Paris! Mais qu'est-ce que c'est exactement? Quel mouvement pictural? Quel credo? La réponse est claire, ce n'est rien de tout ça.

Elle englobe une période riche qui va du début du XXème à la 2ème guerre mondiale, période qui a vu éclore et s'épanouir des courants divers et marquants, de vrais courants, de vraies écoles : symbolisme, fauvisme, cubisme etc...

                                               Henri Hayden. Les joueurs d'échecs (1913)

Le terme valise aurait été créé en 1925 par André Warnod, écrivain et célèbre critique d'art, afin de regrouper sous une même bannière tous les artistes qui avaient choisi Paris pour y créer, le plus souvent par nécessité d'échapper à la persécution antisémite. Nous verrons que la grande majorité des peintres exposés sont Juifs et Polonais. 

                                        Nathan Grunsweigh (Famille juive pendant le shabbat. 1923)

La collection de Marek Roefler, passionné de peinture, fondateur de "La Villa La Fleur" près de Varsovie où sont conservées les œuvres, nous est présentée ici pour la première fois.

Paris est alors la ville de l'effervescence culturelle en même temps qu'un refuge largement ouvert. Des peintres de tous les horizons s'y retrouvent, non pour former une école mais pour vivre dans un milieu libre et stimulant. La plupart viennent des pays où les pogroms sont fréquents : Russie, Pologne, Ukraine..

                                           Isaac Antcher. (Montmartre. 1925)

 Notre Montmartre qui au début fut l'épicentre de ce mouvement (notamment avec le Bateau Lavoir) céda assez vite la place à Montparnasse. L'essentiel des œuvres présentées ont été créées à Montparnasse. La salle consacrée à Kiki en est la parfaite illustration. 

                                         Modigliani. (Simon Mondzain assis à une table. 1919)

Parmi les peintres exposés, nous trouvons les illustres comme Modigliani, Foujita, Zadkine, Soutine, Lempicka et les moins connus, ceux qui peuvent occasionner pour nous de belles découvertes. 

L'artiste qui a l'honneur de l'affiche, Tamara de Lempicka est celle qui est la mieux représentée. Juive polonaise, elle arrive à Paris après la Révolution d'Octobre. Femme libre et indépendante, elle représente bien les artistes audacieuses de son époque, étant ouvertement bisexuelle et ne cachant pas sa liaison avec Colette ou Suzy Solidor.

Elle crée un style qui lui est propre, précis, inspiré à la fois par la Renaissance italienne et le cubisme. Ce qui fait d'elle une représentante éminente de l'Art Déco, élégant, sensuel.

                                                                     Coin d'atelier (1924)

                                                                Danseuse russe (1924)

                                                      La Polonaise (1933). Il s'agit de sa fille Kizette.

                                                                Portrait de femme (1924)

Jeune Homme au livre. Peint alors qu'elle vit aux Etats Unis. Ce tableau est comme un hommage aux peintres de la Renaissance qu'elle n'a jamais cessé d'admirer.

L'occupation contraint Tamara de Lempicka à fuir l'Europe en 1939. Elle échappera ainsi au sort tragique que connaîtront d'autres peintres Juifs.

Comme Nathalie Kraemer, peintre et poétesse qui, française née à Paris, boulevard Magenta, ne pouvait imaginer ce que son  pays ferait d'elle. Sa toile "Portrait de famille" peinte dans les années 1930 est celle qui m'a le plus ému et qui à elle seule justifie que l'on aille au Musée de Montmartre.

 La pièce sombre, l'angle fermé et menaçant, les membres de la famille à la fois unis et seuls, semblant se serrer eux mêmes dans leurs bras, le visage grave...

Nathalie Kraemer arrêtée à Nice a été gazée dès son arrivée à Auschwitz.

                                                                  Kisling. Céret (1910)

Parmi les nombreux peintre juifs, après la guerre, deux seulement parmi les survivants reviendront en France. Il s'agit de Chagall et de Kisling. Chagall n'est présent que par un dessin dans l'exposition contrairement à Kisling dont plusieurs toiles sont exposées. 

                                                                      Autoportrait 1920

                                                                 Zoucha et Louis Tas

Il s'est engagé dans la Légion Etrangère pendant la 1ère guerre et c'est là qu'il a connu Blaise Cendrars qui devint un ami constant, comme plus tard le sera Modigliani.

                                                   Nu allongé. Kiki de Montparnasse. 1925.

Un autre peintre polonais a peint Kiki. Il s'agit de Maurice Mendjizki qui fut ami de Renoir chez qui il passa plusieurs été à Cagnes. 

                                                   Mendjizki. Kiki de Montparnasse (1920-1921)

Ses portraits de Kiki qui ne s'est pas encore métamorphosée en icône 1925 sont annonciateurs de sa vocation de modèle emblématique. Elle est représentée ici avant sa grande célébrité, du temps où le peintre et elle vivaient un grand amour qui dura 3 ans.

Le peintre ne survécut que quelques années à la guerre, l'extermination de sa famille, l'exécution de son fils. Il les passa à dessiner la résistance héroïque du Ghetto de Varsovie. Picasso dira que ces dessins sont "Un chef d'œuvre, une symphonie en noir et blanc."

                                                Foujita. Portrait de Kiki de Montparnasse (1928)

     Il est impossible évidemment de décrire les 130 œuvres de l'exposition. Modigliani, Foujita, Soutine, Chana Orloff y sont présents, modestement. Quand Marek Roefler a constitué sa collection ils atteignaient des prix déjà très élevés. 

                                                            Zadkine. Le compositeur. 1928

Encore quelques œuvres que j'ai aimées :

                                           Boleslas Biegas (Composition abstraite. 1920). Sculpteur et peintre aux tendances mystiques, il a son musée à Paris, à la Bibliothèque polonaise.

                                                             Marcoussis (Kerity. 1927). Ce dessinateur et peintre polonais a été très lié à la vie montmartroise, participant à de nombreux journaux de caricatures. Il a été l'amant d'Eva Gouel qui lui préféra Picasso, le grand absent de l'exposition)

                                       Zac. Meunier, paysage romantique. 1919. Le plus symboliste des peintres de l'exposition. Ses paysages  de l'Arcadie sont une échappée vers le rêve dans des années de cauchemar.

                                                        Alice Halicka (paysage 1927) Epouse de Marcoussis, elle se réfugie avec lui à Cusset. Il y meurt et elle parvient à se cacher jusqu'à la Libération.

     Cette exposition nous invite à de vraies découvertes et à une certaine nostalgie du temps où Paris accueillait les artistes persécutés du monde entier et méritait le nom de Ville Lumière!

La lumière s'est éteinte avec l'occupation. Par chance quelques foyers de création et de liberté subsistent ici et là, pas suffisants pour constituer une école mais assez pour allumer quelques feux dans la nuit.

                                                  Joseph Csaky (Tête de femme. 1924)

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Artistes peintres célébrités à Montmartre.

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Marcel Leprin n'est pas de Montmartre mais comme beaucoup de peintres étrangers à la Butte, il y est venu, attiré par sa réputation et par la présence de nombreux artistes qu'il admirait.

                                                                         Le maquis

Il n'y est resté que quelques années de sa courte vie et il y a peint presque deux cents toiles, sombres, tourmentées, parcourues de passants couleur d'ombre. Un Montmartre pauvre et contrasté en voie d'embourgeoisement mais qui résiste encore avec ses vieilles maisons, ses terrains vagues, son maquis.

                                                                           Jardins ouvriers

Il est né à Cannes en 1891. Pas sous une bonne étoile puisqu'il est abandonné, orphelin pour la vie. Recueilli par un oncle quincailler qui ne devait pas apprécier son neveu puisqu'il le confia aux Salésiens à Marseille où les bons pères s'intéressèrent à lui non pas pour de douteuses raisons mais parce qu'ils détectèrent en lui un véritable don pour le dessin. Ils l'initièrent donc à cet art et à la lithographie. 

                                                   Pêcheurs sur le port de Marseille. (Leprin. 1920)

Il a 12 ans il devient pilotin, c'est à dire mousse. On n'oubliera pas cette formation maritime quand en 1914 il sera engagé comme fusilier marin sur le croiseur cuirassé Waldeck Rousseau. Mais n'anticipons pas! Toujours à Marseille Marcel est attiré par les quartiers chauds. Il s'intéresse à la tauromachie alors pratiquée par la Catalogne voisine qui aujourd'hui l'a enfin interdite!

Ce sont ses toiles, ainsi que celles de Marseille, qui sont les plus colorées, d'une palette droit venue du fauvisme et qu'on ne retrouvera que rarement dans sa période montmartroise. Elles lui permettent d'exprimer une violence et une souffrance intérieures dues à sa jeunesse difficile marquée par l'abandon.

     On retrouvera quelques traces de cette période fauve dans quelques rares toiles montmartroises.

                                            Rue des Saules au croisement avec la rue Saint Vincent

                                                               Le Lapin Agile

    En 1916, Il rencontre Hélène, belle évidemment, qui devient sa femme et sur laquelle il reporte tout son besoin d'amour. Hélas, de retour de son engagement sur le croiseur cuirassé, il ne retrouve plus sa belle qui s'est éclipsée aux bras d'un souteneur. Encore un abandon. Encore une injustice durement ressentie par celui qui sera aidé alors par un personnage haut en couleurs, une certaine dame Smadja, patronne de bordel qui l'héberge.

     En 1921 il quitte Marseille et gagne Paris.

C'est à Montmartre qu'il jette l'ancre, dans ce quartier qui était pauvre et insalubre comme celui où il vivait à Marseille mais où il rencontre des artistes avec lesquels il sympathise.

Parmi eux, rue Ravignan, Max Jacob qui l'héberge un temps et tente en vain de le convertir au catholicisme puisque,  apparemment, les Salésiens n'y étaient pas parvenus! 

Parmi les peintres qui deviennent des amis, nous trouvons Jules Pascin, plus ou moins associé dans ses débuts aux Fauves  et qui se donnera la mort dans son atelier du boulevard de Clichy en 1930. Comme Leprin, il connaît les maisons closes et comme Lautrec avant lui, représente les prostituées comme ses sœurs humaines. 

                                                                Jules pascin (1924)

     Parmi les peintres montmartrois dont il devient ami,  Galanis est un de ceux qui le guident sur la Butte, lui qui de tous les artistes qui ont vécu rue Cortot,  est celui qui y est resté le plus longtemps, 56 ans!

Citons encore Edmond Heuzé, un grand peintre encore trop peu reconnu, qui fut danseur au Moulin Rouge et époux de la directrice de Médrano.

                                                           Le clown Chocolat. Heuzé.       

Ces amitiés ne parviennent cependant pas à apaiser l'âme tourmentée de Marcel Leprin. Il trouve quelque réconfort dans le restaurant de la Mère Catherine où le repas lui est offert et où en paiement il peint à même le mur des scènes aujourd'hui disparues.

Il a l'occasion de rencontrer souvent Suzanne Valadon et Utrillo. La palette vigoureuse de Valadon et les paysages de la Butte empreints de tristesse et souvent hivernaux de son fils l'ont sans doute marqué.

                                                                 Suzanne Valadon et chat

Il fait la rencontre, un jour de bonne étoile, d'Henri Bureau qui est encadreur et lui offre un contrat d'exclusivité qui lui assure une très relative sécurité financière et organise sa première exposition chez Berthe Weil en 1925.

                                                               place Jean Baptiste Clément

                                                                              Rue Tholozé

Le succès aurait dû lui donner confiance mais il cède au découragement et au pessimisme. Il voyage à travers la France et l'on voit s'éclaircir sa palette. 

Une deuxième exposition sera présentée à la Galerie Druet, rue Royale. Comme la première elle est très bien reçue.

                                           Le jardin Saint Pierre (Louise Michel)

Déjà Leprin est moins souvent à Montmartre. Il tente de vivre en Normandie. Mais c'est un échec et il décide de revenir à Paris en 1931.

Sa santé est fragile, l'abus d'alcool et de drogues l'ont sévèrement compromise.

                                                                  Rue Drevet

                                   Rue Saint Eleuthère arrivée sur la place

Il est hospitalisé à l'hôpital Tenon où il meurt en 1933, jamais guéri de son enfance malheureuse.

                                                      La place Blanche

    Il nous laisse un témoignage précieux du Montmartre des années 1920, encore proche de ses origines campagnardes, avec ses vieilles maisons, ses chemins boueux et sa misère. Son art hésite entre plusieurs écoles, du fauvisme au post impressionnisme, du réalisme à l'expressionnisme et à la touche rapide et mouvementée de Gen Paul qu'il fréquenta. Il n'est pas sans points communs avec Elisée Maclet dont l'éclectisme est encore plus évident.

     Il a  rarement peint à Montmartre la lumière du printemps et les ciels d'été. La Butte est dure aux miséreux et aux peintres tourmentés. Le ciel y est gris, l'hiver y est une saison mentale. Il est mort avec tous les possibles que contenait son art. Né sous un soleil noir, il n'a pas trouvé l'apaisement parmi les artistes de Montmartre. Max Jacob mourra à Drancy et Pascin écrira de son sang le nom de la femme qui l'avait quitté. Les couleurs, les douleurs de Marcel Leprin  nous restent proches et se superposent au Montmartre trop bien léché d'aujourd'hui.

   Pour le quitter sur une note plus positive, demandons à sa "belle cabaretière" de nous jeter un regard, derrière le comptoir de zinc du 14 rue de l'Abreuvoir dont le propriétaire Georges Baillot fit cadeau au musée après l'avoir sauvé des réquisitions de l'occupation.

La belle cabaretière esquisse un sourire un peu las. Solide et fragile à la fois, son reflet de dos dans le miroir, elle a retrouvé sa place derrière le comptoir de zinc à quelques dizaines de mètres de l'ancien bistro, dans le musée dont elle est aujourd'hui la plus belle image d'un temps disparu et d'un peintre cher au coeur des Montmartrois.

liens sur le blog des artistes de Montmartre.

Les artistes et les peintres

Le comptoir de zinc. 14 rue de l'Abreuvoir.

     Ce peintre est je l'avoue une énigme pour moi. Je le connaissais à travers des toiles que je trouvais assez brutes, sans nuances, sans parti pris esthétique. Et puis après quelques échanges avec des admirateurs ou collectionneurs, j'ai voulu le connaître mieux. J'ai découvert un artiste de grand talent, parfois inspiré. 

                                                                        (1908-1919)

     Pour un fou de Montmartre comme moi il offre des points de vue parfois originaux sur des rues et des sites célèbres maintes fois représentés. Je ne parlerai pas de ses œuvres peintes en Normandie, en Provence ou en Bretagne. Je m'attacherai à celles qui représentent la Butte et qui ne manquent pas d'intérêt même si parfois elles semblent être dues à différents peintres, tant leurs styles peuvent différer.

    Elisée Maclet (1881-1962) sans être par ses origines prédisposé à la peinture, a pris goût au dessin et à l'aquarelle grâce à son curé, lui même aquarelliste, qui l'a encouragé et lui a offert le matériel nécessaire. Une légende dans le style de celles dont raffole la Butte, prétend que Puvis de Chavannes se serait arrêté longuement devant une de ses aquarelles et l'aurait vivement encouragé à persévérer pour que s'épanouissent des dons qu'il aurait détectés chez le jeune Elisée. L'anecdote peut intriguer tant l'art de Puvis et celui de Maclet sont à l'opposé l'un de l'autre!

Elisée débarque à Paris alors qu'il a déjà 25 ans. Pour survivre il exerce de nombreux petits boulots mais déjà se dirige vers la décoration puisqu'il se trouve quelques mois décorateur au Moulin Rouge.

Il aurait même assuré le remplacement de danseurs empêchés. Il avait décidément les pinceaux très agiles!

      Il aime peindre le vieux village où il rencontre les artistes. Il abandonne l'aquarelle et peint à grands traits dans un style vigoureux et contrasté dans des couleurs plutôt froides et limitées.

                                                                     (1906 et 1908)

On donnera le nom de "période bleue" à ses productions d'avant guerre. Picasso est sorti de la sienne deux ans avant que notre Picard ne débarque à Montmartre!

                                                                         (1906-1908)

                                                                          1918-1919

Sur la Butte il fréquente le Lapin agile où il a l'occasion de croiser Utrillo, Picasso ou Apollinaire.

                                                     Le Lapin agile. (1935-1945)

                                                                         1919-1933

                                                                         1908-1919

                                                                1919-1933

(Ces représentations du Lapin montrent à quel point Maclet pouvait varier son style, de l'impressionnisme au fauvisme, du naïf au virtuose. Contrairement à Utrillo qui l'inspira également il revendique d'être un peintre caméléon)

Quand il rencontre Georgina et qu'il en tombe amoureux, il choisit de vivre au cœur du Montmartre des artistes pauvres et inspirés : place Ravignan (Emile Goudeau à partir de 1911) à l'hôtel du Poirier avec le Bateau Lavoir de l'autre côté de la place.

                                                          Place Emile Goudeau 

                                               Quand éclate la première guerre, il s'engage comme infirmier.

                                                                    ( l'Atelier  1919)

Certains pensent que c'est pendant ces années difficiles où il est confronté à des horreurs, à la mutilation des corps dans l'hôpital où il s'engage qu'il trouve le meilleur de son inspiration et atteint l'apogée de son art. Il peint souvent des paysages de neige comme il le fera pendant la 2ème guerre. Pendant ces quelques années, il signe de son seul nom de famille "Maclet" (ce qu'il fera jusqu'en 1933).

                                                                               .1919

..                                                                              .1918    

   ...                                                                            1919

                                                                             1918

Quelques précisions sur cette fameuse signature qui varie avec les années. Au début, il n'est pas rare qu'elle comporte le prénom et le nom. "Jules Maclet" puis plus souvent "Elisée Maclet".

De 1908 à 1918 le nom est précédé d'un "E" géométrique aux angles pointus.

De 1919 à 1933, nous trouverons le seul nom de famille

De 1934 à 1945 le "E" du prénom s'arrondit et perd ses angles 

Après 1945 le "E" retrouve ses angles! 

Et comme souvent peintre varie, bien fol est qui s'y fie! Parfois cette règle des signatures identifiables chronologiquement connait des exceptions! 

  Pour revenir aux paysages de neige, ils sont présents et émouvants comme ils le sont chez Utrillo. Ils auront un je ne sais quoi de nostalgique et de poétique qui convient si bien à notre Montmartre.

Toujours est-il qu'ils plaisent aux marchands qui proposent les toiles de Maclet dans leur boutique où, témoigne l'un d'entre eux, elles  trouvent plus d'amateurs que celles du fils de Valadon.

Ce qui est le rêve d'un jeune peintre se réalise, Maclet signe un contrat avec un riche mécène, un Autrichien, le baron von Frey. Grâce à lui, il est libéré de tout souci financier. Grâce ou à cause de lui il quitte Montmartre pour le sud où il laisse vivre une palette de couleurs franches.

                                                                                           Arles.

Nous laisserons aux spécialistes l'étude ce ces années "lumineuses" qui de 1924 à 1930 conduisent le peintre de Provence en Corse, de Corse en Bretagne.

En 1933 La confiance ou l'inconscience lui font rompre son contrat. Il le regrettera trop tard. Devant les difficultés qui ne tardent de l'assaillir, il déprime et se réfugie dans l'alcool. Il fait un premier séjour à l'hôpital Sainte Anne.

De nouveau à Paris, il retrouve Montmartre et les rues qu'il avait souvent peintes dès son arrivée sur la Butte.

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Ses toiles qui peuvent être joyeuses, presque naïves dans les jours optimistes, deviennent sombres et contrastées dans les jours noirs. Mais il est difficile, répétons le, d'assigner un style défini à Maclet. Plusieurs peintres coexistent en lui. 

Pendant le 2ème guerre, Montmartre se couvre de nouveau de neige dans ses toiles.

Le peintre trouve un logement modeste rue Marcadet. En 1957 il épouse Simone avec qui il vit ses dernières années. Mais l'alcool et la dépression restent ses compagnons quotidiens les plus fidèles. 

        Il meurt à l'hôpital Lariboisière en 1962.

Liens sur le site :  Artistes et peintres de Montmartre

Année 2017

Ils font partie de Montmartre depuis si longtemps... Piaf chantait dans les rues de la Butte quand elle vivait rue des Abbesses. 

Certaines chansons populaires font partie de la légende montmartroise et chacun peut fredonner celles d'Aristide Bruant. 

Dès que je vois l'un de ces baladins qui tentent de gagner quelques sous en essayant de se faire oublier des policiers, je ne peux m'empêcher de m'arrêter.

Année 2018

J'ai commencé il y a huit ans et j'ai photographié ceux que j'ai croisés. Je me sentais proche d'eux, me rappelant le temps de mes études où n'ayant pas leur talent, je distribuais des prospectus que beaucoup refusaient.

Les guitaristes sont les plus nombreux. Ils viennent des quatre coins du monde et s'arrêtent sur les marches qui ne manquent pas sur notre butte.

Parfois nul ne les regarde. Ils chantent pour les oiseaux et ils ont le regard triste.

Ils n'ont pas le cœur à sourire.

Il suffit de mettre nos yeux dans leurs yeux pour que leur visage s'illumine.

Alors ils jouent avec plus d'âme. 

Parmi eux certains sont des habitués de Montmartre. De mois en mois je les rencontre.

Si vous êtes comme moi familier de la Butte vous les reconnaitrez... 

Comme cette statue qui se juche sur son piédestal au bas des escaliers du Sacré-Cœur. 

Année 2019

Plus rarement ce sont des clowns. Toujours hilares.

Ceux que l'on regarde sourire aux lèvres mais vaguement inquiets parce qu'il se veulent si excessifs qu'ils en sont tragiques.

Celui-là jongle avec son ballon depuis des années.

Les touristes se prennent en photo à côté de lui et oublient souvent de jeter une pièce dans son chapeau posé sur le sol.

Les souffleurs de bulles plaisent aux enfants qui tentent d'attraper les nuages irisés qui claquent dans leurs doigts.

Parfois ils emprisonnent un passant dans leurs bulles, le temps d'une photo.

Parmi les "statues" l'homme de zinc est un fidèle de la rue du Chevalier de la Barre.

Bien que comparaison ne soit pas raison, il me fait penser à l'homme de fer blanc du Magicien d'Oz!

Regardez! Il y a un arc en ciel au-dessus du Sacré-Cœur

Parfois un musicien un peu à l'écart du chemin emprunté par les touristes chante pour les pigeons 

Artistes en 2020

Certaines dansent comme si rien au monde n'avait plus d'importance que leur tournoiement.

Parfois elles sont environnées de voiles légers qui flottent au vent comme les oriflammes.

Le roi doré est lui aussi un fidèle de la Butte.

Toujours debout à l'entrée du square Louise Michel.

Il vient de l'Est et gagne comme il peut sa vie, après un long maquillage.

Quand il ne prend pas le temps d'enlever son costume et ses fards, on le voit descendre la rue Steinkerque et se diriger vers le métro. 

Hommage à Loïe Fuller

Le Père Noël est tombé sur la tête!

Artistes en 2021

Les violonistes sont parmi les plus beaux des musiciens parce qu'avec des gestes limités, précis, ils font monter plus haut que le dôme de la Basilique des mélodies de tendresse ou de joie. 

Un jour, par hasard, j'ai rencontré un chanteur qui préparait un récital dans les arènes.

C'était Cali, venu du sud, comme avant lui Nougaro qui habita longtemps Montmartre et dont une place en bas de l'avenue Junot porte le nom.

Encore Loïe Fuller

Il y a ceux, venus de très loin qui chantent des poèmes éclos dans les déserts, comme les fleurs après la pluie.

Artistes en 2022

Lui est toujours au même endroit. Il n'oublie pas de se transformer en Père Noël pour séduire les enfants. Il a une belle voix chaleureuse.

Il devrait cependant chanter un peu moins souvent "Alleluia" de Cohen. Cette belle chanson commence à devenir insupportable!

Encore un violoniste. La retraite ne l'empêche pas de donner un récital place des Abbesses, devant le square Jehan Rictus, non loin du mur des "Je t'aime".

Le plus beau des violonistes, qu'une de mes amis compare à un ange, c'est lui, Simon Ror.

Il joue Bach ou Vivaldi avec une telle foi que même les indifférents s'arrêtent pour repartir avec sur leurs vêtements des poussières de couleurs, comme sur les ailes des Papillons.

Plus rares sont les comédiens.

Il faut du temps pour représenter une saynète et il n'est pas sûr que les passants comprennent le français.

Peu importe, ils jouent et rien d'autre n'existe le temps de ce jeu.

Artistes en 2023

Cet homme et son chat noir, tous les Montmartrois le connaissent.

Il s'assied rue Norvins le plus souvent et son chat l'interrompt pour lui faire des câlins.

Simon bien sûr!

Artistes en 2024

Etrange instrument, le handpan qui ne produit pas de mélodies mais des vibrations qui vous donnent envie de vous asseoir et d'allumer un bâton d'encens.

Pas tout à fait possible dans les rues de Montmartre.

Simon!

Une élégante statue vivante qui s'anime quand vous déposez une pièce dans sa sébille. Etrange et souple, vivante et fantôme, elle est à sa place devant la Folie où vécut un temps Gérard de Nerval.

La police fait la police et si elle n'est pas assez agile pour attraper les pickpockets, il lui est facile de verbaliser ce violoncelliste, assis près de la statue du Chevalier de la Barre.

Lui, maquillé pour un bal tragique, je l'ai rencontré lors du défilé des Vendanges. Il me parle des extravagants, des marginaux, des poètes qui ont toujours été chez eux ici.

Le peintre a fait de son visage une œuvre d'art. Histoire de rappeler que les toiles que l'on expose sont faites de chair et de sang.

Simon!

Ce chanteur m'a fait penser au Ravi de la Crèche. Quelque chose de naïf, d'enfantin, de généreux. Sa chanson était triste mais sa voix était celle d'une berceuse.

Artistes en 2025

Le roi doré a trouvé ses princesses.

Ce grand jeune homme fin et longiligne fait des claquettes place des Abbesses. Il sourit, impassible quand ses pieds crépitent. 

Il ne fait pas concurrence au roi doré du square Louise Michel car il ne reste pas immobile, il danse, perdu en lui même et dans sa comédie musicale intérieure.

Encore Simon! 

Ce jour là il a encore chanté Alleluia!

L'album se termine pour l'instant en ce mois de juin 2025.

Il est incomplet, il a oublié sans doute des chanteurs et des acrobates qui sont pour moi, des semeurs de beauté, d'étrangeté, de joie.

Bienvenue à tous dans un Montmartre qui est leur patrie!