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Montmartre secret

Montmartre secret

Pour les Amoureux de Montmartre sans oublier les voyages lointains, l'île d'Oléron, les chats de tous les jours. Pour les amis inconnus et les poètes.

montmartre peintres.artistes.clebrites

Publié le par chriswac
Publié dans : #MONTMARTRE Peintres.Artistes.Clébrités, #Peintres

 

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Perrine Chartrain a quitté Montmartre.

Elle vit aujourd'hui en Bretagne avec son chien Piotr et sa chatte dont j'ai oublié le nom.

Elle n'expose plus sur le trottoir de la rue Girardon ses oeuvres offertes aux passants, à leurs regards, à leur attention ou à leur indifférence.

La dernière fois que je l'ai vue, elle habitait encore rue Damrémont et venait de terminer une toile, "Le crieur de rue".

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Une toile qui lui ressemble avec ce personnage qui hurle dans l'indifférence d'une ville enneigée.

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La tête renversée, les bras ouverts, il crie.

Son cri monte vers le ciel blanc.

Dans le silence de la cité il crie.

Différent de l'homme de Munch dont le cri replié sur lui-même est désespoir absolu, il espère une réponse, une attention. Ses yeux sont ouverts et prêts à accueillir le moindre signe....

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Les fenêtre sont vides. nous sommes à Montmartre, dans l'enchevêtrement des toits de zinc, les toits bleutés de la Butte...

Ici ou là un atelier d'artistes avec ses grandes baies vitrées...

Une fenêtre, une seule s'éclaire. Une femme vêtue de noir y apparaît. Va t-elle ouvrir? Va t-elle se pencher vers l'homme qui appelle?

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La neige, le froid, mordent les mains nues et le corps à peine vêtu du crieur...

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Il crie sur une place, un espace dégagé, une piste de cirque....

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Les maisons géométriques et naïves dansent comme elles le font souvent sur la Butte. Elles forment un décor de conte de fée, des maquettes fragiles comme des cubes de carton.

Et si la lumière au centre de la toile, la fenêtre éclairée était l'étoile, la promesse d'une rencontre, le feu allumé dans un coeur par le crieur, par les silex de ses mots qui se heurtent dans le ciel froid?

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...Et si le Crieur de rue n'était autre que l'artiste dont les oeuvres sur le pavé crient vers les passants ?

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Liens : Perrine Chartrain: 

                                          

Montmartre. Peintre. Perrine Chartrain. Rue Girardon.

Peintre à Montmartre. Perrine Chartrain. (2)

 

Liste et liens: Peintres et personnages de Montmartre. Classement alphabetique.

Rues de Montmartre. Classement alphabétique.

Cimetière Montmartre. Classement alphabétique. Calvaire et Saint-Vincent.

Listes des liens des monuments et lieux typiques de Montmartre historique et moderne.


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                                          Pastel de Perrine. J'ai accroché dans mon salon cet enfant triste et doux, dont le visage reflète le ciel.

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Publié le par chriswac
Publié dans : #MONTMARTRE Peintres.Artistes.Clébrités
Daléchamps au centre, devant sa boutique.

Daléchamps au centre, devant sa boutique.

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Voilà encore un de ces personnages de Montmartre dont on sait peu de choses mais qui sont restés dans la mémoire du quartier. Sans doute le titre prestigieux et inquiétant de "Premier Ministre de la Mort" dont ce brocanteur s'était paré a t-il beaucoup fait pour qu'on se souvienne de lui!

Constant Daléchamps, avant de s'installer rue Caulaincourt a habité rue du Mont-Cenis. Il était alors cocher de fiacre. On espère qu'il n'emportait pas ses passagers vers le néant comme le faisait l'Ankou des légendes bretonnes.

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Quand il cessa d'être cocher, il quitta la rue du Mont-Cenis pour vivre dans une baraque du Maquis. C'est là que lui prit le goût d'entasser des vieilleries qu'il trouvait dans les décharges ou des objets qu'il achetait aux voleurs qui après leurs forfaits se réfugiaient sur un territoire où il était difficile de les retrouver.

Avec le temps Daléchamps gagna quelques sous et put s'installer au 35 rue Caulaincourt, face au maquis qui subsista quelques années encore. Il ouvrit une boutique où l'on pouvait trouver toutes sortes de curiosités, un véritable bazar.

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C'est là qu'il prit l'habitude de proposer à ses clients de les représenter à la chambre des députés s'ils votaient pour lui. Il faut avouer que son programme électoral était pour le moins obscur. Il était composé de phrases écrites avec des signes mystérieux peints en noir sur fond blanc. Daléchamps était dans la tradition de ces montmartrois qui utilisaient les élections pour proposer des transformations farfelues, loufoques, poétiques ou incompréhensibles! 

Il avait également une passion pour les pigeons qu'il rameutait sur son toit en faisant tournoyer un drapeau tricolore. Ses pigeons avaient pour nom Liberté, Marianne, On-les-aura ou Coup de rouge... Daléchamps leur peignait les ailes en bleu, en blanc en rouge..

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C'étaient des pigeons patriotes!

il les envoyait volontiers voyager au-dessus du cimetière Montmartre, en bas de la rue Caulaincourt. Peut-être, à fréquenter les tombes, lui rapportaient-ils des informations sur l'au-delà qui justifiaient qu'il pût se prévaloir du titre de "Premier Ministre de la Mort"!

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                                       Cimetière Montmartre et Pont Caulaincourt

Avec les années qui passaient et ravageaient la Butte qui se transformait peu à peu en quartier bourgeois, Daléchamps devint maussade et amer. Il sombra dans une mélancolie qui l'isola peu à peu de sa clientèle. Conscient qu'il risquait de déraper, il demanda lui même à la police de le mettre hors d'état de se nuire et de nuire à autrui...

Il termina ses jours dans un asile où certains de ses pigeons tricolores le suivirent et continuèrent de voyager entre le cimetière et leur maître. Sans doute Daléchamps s'en alla t-il serein et apaisé, retrouver cette Mort dont il s'était voulu le Premier Ministre dévoué.

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Liens :

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Rues de Montmartre. Classement alphabétique.

Cimetière Montmartre. Classement alphabétique. Calvaire et Saint-Vincent.

Listes des liens des monuments et lieux typiques de Montmartre historique et moderne.

 

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Constant Daléchamps. Premier Ministre de la Mort. rue Caulaincourt

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Publié le par chriswac
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    Le musée Gustave Moreau est un des lieux les plus étonnants de Paris. Le peintre a voulu que sa propre maison reçoive les visiteurs qui ont l'impression d'y être  invités et de découvrir son univers. 




    Dans la galerie du deuxième étage, une grande toile presque carrée (2,90 sur 2,82) nous entraîne dans un paysage étrange, baigné d'une lumière grise aux reflets blancs.
   On ne sait si la nuit descend  ou si l'aube s'élève.
   Dans une lumière onirique, avance comme une vague,  une procession dont l'avant garde a la blancheur de l'écume...




       ...et dont la crête est constituée par les trois rois mages sur leurs chevaux.
         Ils se laissent porter, guidés par l'étoile, veillés par la colombe du Saint-Esprit.
        Les rochers dont les contours rappellent le groupe qui avance, s'opposent cependant à lui : bloc pétrifié, bloc immobile et agressif que le cortège en mouvement va laisser derrière lui.
         Alors que le paysage est fait de gris, de noir et de blanc, la couleur commence à frémir sur les rois.
         Comme s'ils étaient en train de se créer, d'être créés par leur marche vers la crèche.
         On imagine qu'au moment où ils rencontreront l'enfant, elle fera briller leurs yeux et scintiller les bijoux et les étoffes.
  "Que la lumière soit"
  "Que la couleur soit".




    Le roi noir a la tête levée vers l'étoile.
    Il est en partie caché par le cheval blanc.
    Moreau a écrit sous une étude de ce tableau : "
La race noire est enfantine et naïve dans ses croyances".
    Préjugés d'une époque où la France des Droits de l'Homme colonisait l'Afrique et où ce mot de race appliqué à l'unique famille humaine, allait avoir les terribles conséquences que l'on connaît...
 
   Le cheval blanc, les yeux bien ouverts, frappé de lumière, est au centre de la toile, entre l'étoile claire et la colombe de lumière.
    Il sait où il va.
     Les deux autres chevaux ont la tête baissée.
     Lui, il la tient bien droite. 




   Il porte le roi oriental dont la race est
"dorée, indolente et sensuelle".
   "La race des rêves".

   Le seul des trois rois à ne pas lever la tête vers la comète.
   Le roi qui regarde devant. Là où la réalité va se transfigurer.
   Le roi habitué à vivre dans les contes. Celui qui sait que tout est possible au cours de cette première ou de cette mille et deuxième nuit.
   Son visage très fin, féminin, est frôlé par un oiseau bleu, ombre de l'oiseau blanc qui plane au-dessus de lui.

   Au premier plan, le roi blanc, tout aussi féminin, tête levée vers l'étoile...    Il est selon le peintre de" la race intelligente et droite dans la foi".
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   Sa couronne où l'on aperçoit la fleur de lys se confond avec sa chevelure. son visage est tendu. Il questionne. Son oeil est vif. Il vérifie qu'il n'est pas abusé par une illusion d'optique.




     Son cheval  noir et nerveux, regarde le spectateur pour l'inviter à entrer dans le mystère et l'interroger à son tour.




   Devant les chevaux, un groupe d'écuyers comme dessinés à la craie. Devant eux, marche l'avant-garde... 




    Ce sont de jeunes pages vêtus de blanc à la façon des lévites (comme écrit Moreau). Ils regardent l'étoile et avancent en chantant. Ils tiennent des branchages qui ressemblent à des palmes et sont destinés à chasser les serpents.
   Les palmes ne peuvent manquer d'évoquer les Rameaux,  l'entrée triomphale du Christ à Jérusalem, porté par un âne blanc...
   Elles évoquent aussi la passion et l'immense procession des martyrs.
  
    Les pages sont beaux et lumineux.
 
     Par quel art, avec si peu de traits et si peu de détails, le peintre obtient-il cette précision, cette présence?
 
   Dessin de craie sur l'asphalte de la nuit...








        À l'arrière du cortège, la foule des musiciens et des guerriers...
        Quelques taches de couleur font émerger des gazelles aux colliers de perles...






       et un visage qui se tourne vers l'étoile.

        Gustave Moreau, à propos des grands maîtres qu'il admire, écrit :
"Ils ennoblissent leur sujet en l'encadrant dans une profusion de formules décoratives. Leur respect, leur piété ressemblent à ceux des Rois Mages apportant sur le seuil de la crèche le tribut des contrées lointaines".






     Au premier plan, le cadavre d'un vautour.
     Les charognards ne tournent plus dans le ciel, au-dessus du cortège protégé par l'oiseau de lumière.
     Le mal et la mort ne sauraient faire partie de cette humanité qui monte vers la vie. 

    Une toile fascinante, à la fois lumineuse et crépusculaire. La gauche du tableau avec la foule indistincte et mal dégagée du magma de la création, le centre avec les rois qui entraînent derrière eux les continents, et à droite, comme déjà entrés dans l'éternité, ces jeunes hommes qui traversent la mort et les apparences comme un miroir....  









Musée Gustave Moreau.

14 rue de La Rochefoucauld.
75009 Paris 
Heures d'ouverture : 
Lundi et mercredi de 11h à 17h15
Autres jours : de 10h à 12h45 et de 14h à 17h15.




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Fontevraud. Fresques de Thomas Pot.



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Publié le par chriswac
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                Le Bon Samaritain. Salon de 1874. Huile sur toile. Musée Fabre. (Dépôt de l'Etat)

Rares sont les tableaux de Jean-Jacques Henner, fasciné par le corps des femmes, rousses de préférence, où sont représentés des nus masculins.

Les quelques oeuvres qui font exception à la règle ont pour thème des sujets religieux et principalement le Christ.

Quand Henner (1829-1905) peint cette toile, il est au sommet de sa gloire. Il est reconnu par ses pairs et tout en assumant son académisme, il est familier de la nouvelle école et admirateur de Manet.

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                                                                           La Dormeuse

Si nous sommes loin avec son "Bon Samaritain" de la sensualité alanguie de ses femmes qui évoquent l'art du Titien, on n'y retrouve pas moins la blancheur, la sensualité de l'abandon...

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                                              Etude pour "Le Bon Samaritain" Musée henner Paris.

La toile illustre un passage célèbre des Evangiles.

A la question posée par un docteur de la Loi pour définir qui est le "prochain" dont parle le précepte de la Torah : "Tu aimeras ton prochain comme toi-même" Jésus répond par cette parabole :  

Un voyageur est attaqué par des brigands, il est détroussé, dépouillé, laissé pour mort au bord du chemin. Passent sur la route un prêtre et un lévite, tous deux serviteurs du Temple de Jérusalem. Ils sont en chemin vers le sanctuaire. La Torah leur interdit de toucher un mort ou le sang qui les rendrait impropres au service religieux. Ils se détournent de l'homme étendu, apparemment sans vie.

Passe un Samaritain. Les Samaritains sont considérés comme impies et accusés d'avoir profané le Temple dont ils ne reconnaissent pas la prééminence. Bien que Juifs, ils sont rejetés par les orthodoxes.

Le Samaritain s'arrête, il prend soin du mourant, le soigne, le transporte jusqu'à une auberge voisine où il paie les soins et l'hébergement.

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Jésus pose la question à son interrogateur : "Lequel des trois à ton avis s'est montré le prochain de l'homme tombé aux mains des brigands?"

Le docteur répond : "Celui-là qui a exercé la miséricorde envers lui."

Et Jésus lui dit : "Va et toi aussi fais de même."

Ivan Illich, pour faire comprendre la transgression que cette compassion représente, compare cette assistance à celle d'un Palestinien d'aujourd'hui soignant un Juif blessé. Il aurait à passer par-dessus les considérations ethniques et politiques. Il privilégierait la fraternité humaine...

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Dans un paysage sombre de terre grise et de rochers, l'homme étendu occupe le premier plan de la toile. C'est lui qui est mis en valeur par le peintre plus que le Samaritain qui semble sortir de la nuit pour se pencher sur lui. Le peintre nous invite et nous questionne en nous mettant à l'épreuve devant ce corps meurtri.

 le Juif agressé, les yeux clos, la bouche ouverte a la blancheur d'un cadavre. Il n'est pas sans évoquer le Christ décloué de la croix.

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Son visage reste beau et juvénile, tourné vers le ciel, vers une aide improbable. Les joues se creusent. La mort est à l'oeuvre.

Remarquable portrait à la fois précis et nimbé de nuit.

Le corps est abandonné, dant tous les sens du mot. Abandonné par les hommes, abandonné à la grâce...

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                                     Caravage. La Conversion de Saint-Paul

Je pense au Caravage, à l'extraordinaire conversion de Saül, renversé, bras ouverts, tout entier offert à l'amour divin. 

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L'amour divin a le visage du Samaritain, noble et attentif, penché vers celui qui n'a plus qu'un souffle de vie.

Il est muet. Ce n'est pas avec des mots qu'il vient en aide au malheureux, c'est avec des gestes. Il est penché vers lui, ses bras s'apprêtent à le saisir.

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Il est le Père du Fils prodigue de Rembrandt qui accueille celui qui était perdu.

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Cette oeuvre n'en finit pas de susciter des réflexions, des émotions...

Ceux qui ont connu des moments de désespérance et d'abandon et qui ont vu sur eux se pencher un visage d'amour, comprendront cette toile et reconnaîtront qui aura eu pour eux le visage divin...

 

 

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J'ai classé cet article dans la rubrique Montmartre car Henner est lié à notre quartier. Il a eu son atelier Place Pigalle, il a vécu rue la Bruyère où il est mort, il est enterré non loin de là, au cimetière Montmartre.

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Liens : Montpellier et région

Alexandre Cabanel. L'ange déchu. Musée Fabre Montpellier.

Jean Cousin. La Charité. Musée Fabre. Montpellier.  

Les cariatides et les atlantes de Montpellier. (1)

Cariatides et atlantes de Montpellier (2)

Aigues Mortes. La Chapelle des Pénitents Gris. (1)

Aigues Mortes. La Chapelle des Pénitents Gris. (2)

Trompe l'oeil. place Saint Roch. Montpellier

Le Mikvé de Montpellier. Témoin juif du Moyen-Âge.

Karl Lehmann. Sainte Catherine d'Alexandrie. Musée Fabre. Montpellier.

Arc de Triomphe du Peyrou. Montpellier.

Cathédrale de Maguelone. Les vitraux. (1) extérieur. Bleu. Robert Morris.

Cathédrale de Maguelone. Vitraux (2) Intérieur. Bleu. Robert Morris.

Cathédrale de Maguelone. (3) Vitraux. Intérieur. Jaune. Robert Morris.

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Voilà un titre bien rébarbatif, un programme bien ambitieux... La vie de l'humanité résumée dans une peinture!

Mais avec Gustave Moreau, il ne faut pas se laisser arrêter par l'appareil ésotérico-philosophico-mystico-érudit de son oeuvre. Cet aspect est l'arbre qui cache la forêt. La forêt, c'est la forme, l'émotion, l'art tout simplement. On s'y perd et on s'y reconnaît.

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Moreau fait siennes les paroles de Baudelaire :

"La Nature est un temple où de vivants piliers                                                                   Laissent parfois sortir de confuses paroles,                                                                        L'homme y passe à travers des forêts de symboles                                                  Qui l'observent avec des regards familiers."

 

Ces forêts existent et chacun peut s'y aventurer... et écouter...                                               

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Le tableau se présente comme un retable, richement orné (un peu trop) et doré à l'or fin. Sa place naturelle serait sur un autel, pourquoi pas dans l'église voisine de la Trinité ou dans celle presque aussi proche de Notre-Dame de Lorette, temple de la Nouvelle Athènes...

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Au sommet, dans le frontispice, on voit le Christ dont le visage grave rappelle celui de Jupiter de la toile exposée de l'autre côté du mur, "Jupiter et Sémélé".

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Il remonte de la mort, soutenu par les anges dont les ailes rouges évoquent le bois sanglant de la croix. Ses bras décloués restent ouverts et le sang coule de ses mains vers l'humanité.

Comme coule l'eau vive de son flanc transpercé par la lance.

Il y a souvent chez Moreau, dans la "technique" picturale, un étonnant contraste entre la précision de certaines formes, de certains corps et le flou, la pâte d'autres éléments de la composition. Ici les anges pris dans l'effort, sont plus une force que des individus, une matière en mouvement autour du Christ peint avec précision.

 

1 l'Âge d'or. L'enfance. Adam et Eve.


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Le retable se lit en partant du haut. Les trois premiers tableaux, dits de "l'Age d'or", représentent Adam et Eve aux trois principaux moments de la journée (et de la vie) : matin, midi et soir.

Le matin : Sur un fond japonisant, le couple nu et amoureux s'émerveille devant la beauté du monde. Eve joint les mains pour prier. 

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 Le midi : Adam et Eve au milieu du jour avancent éblouis dans une nature harmonieuse, accompagnés par le lion docile et le vol d'oiseaux blancs qui ressemblent à des anges. C'est l'Eden de la Genèse et le pays promis par Isaïe à la fin des temps : "Le loup habitera avec l'agneau, la panthère se couchera avec le chevreau"... 

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Le soir : Sur un fond de tissu précieux brodé d'or, la lune monte dans un paysage d'estampe et au premier plan, Eve étendue contre Adam, appuyée sur un cygne endormi, s'endort paisiblement.

La mort n'existe pas, elle n'est pas encore entrée dans le monde. Elle est une menace peut-être, symbolisée par le fruit lourd qui pend de l'arbre au-dessus du couple, le fruit de la connaissance. Le cou du cygne (première allusion à Orphée) semble reptilien et annoncer l'approche du serpent tentateur.


2 L'Âge d'argent. La jeunesse. Orphée. Hésiode.


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Les trois tableaux de la ligne médiane sont dits de "l'Âge d'Argent". C'est le temps de la jeunesse et de la créativité. Pour le symboliser, Moreau ne s'inspire pas de la Bible mais de la Grèce antique, civilisation à la fois spirituelle et profondément sensuelle.

Le matin : Le poète Hésiode est représenté dans un paysage de montagnes où il surveille son troupeau. Un ange aux ailes bleues l'incite à devenir poète.

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Le Midi : C'est Orphée qui est représenté avec le cygne dans lequel il se métamorphosera après sa mort. Il chante, inspiré par la muse Melpomène appuyée sur la lyre. Il est richement habillé d'une étoffe rouge, couleur de la vie et des passions. Son regard tourné vers le ciel est entouré comme celui de la muse d'une auréole d'icône byzantine.

La mythologie grecque et la mythologie chrétienne ont bien des "correspondances" pour Moreau. Orphée au centre exact du retable, au midi précis de l'oeuvre, est le précurseur du Christ du frontispice. Le rouge de sa tunique semble être teintée du sang qui s'écoule des mains du Ressuscité.

L'oeil du spectateur est attiré par ce "centre" de l'oeuvre où les couleurs sont plus vives,  où la main levée montre l'infini.

 

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Le soir : Nous retrouvons Hésiode. Le pasteur-poète est debout dans une pose féminine. Les hommes souvent chez Moreau évoquent une créature complète qui assumerait le masculin et le féminin qui sont en eux.

Détaillez bien les trois visages des trois tableaux. Le matin, Hésiode regarde devant lui, vers l'avenir... Le midi, Orphée a le visage levé vers le ciel.... Le soir, Hésiode, baisse la tête vers la terre. 

Dans le ciel que le poète ne regarde plus s'envole la muse emportant avec elle la harpe.

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C'est la fin de l'inspiration, l'impossibilité de chanter. Le poète regarde à ses pieds le cygne d'Orphée. Le cygne qui annonce la mort du poète.

Etrange figure du poète nu qui semble avoir trois bras. Le bras gauche tient le lys (présent aussi dans Jupiter et Sémélé), le bras droit est double (un remords mal effacé par le peintre), une main touche le sexe, une autre main est posé sur le bois muet de la lyre.


3 L'Âge de Fer. La mort. Abel et Caïn.


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Le matin : La nature est sombre. Les enfants d'Adam et Eve doivent travailler la terre pour la rendre fertile. Au loin fume un volcan comme une menace. Abel sur la pente sème des graines tandis qu'au premier plan Caïn mène un lourd attelage de boeufs.

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Le midi : Repos après les heures de travail. Abel à l'arrière joint les mains vers le ciel. Caïn médite. Tout est possible selon les pensées dont il se laisse envahir. La fraternité paisible, l'amour... La jalousie, la haine et le crime...

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Le soir : Le dernier tableau est celui de la Mort. La nature s'obscurcit dans un ciel sanglant. Les corps perdent leur netteté. Le cadavre blanc d'Abel est étendu sur la terre tandis que Caïn, dressé contre la nuit laisse retomber l'arme du fratricide et tente de se cacher dans son bras replié.

Cette dernière scène, la plus noire, la plus tragique n'est pas la conclusion du retable. Nous ne pouvons nous empêcher de prendre un peu de recul, de nous laisser attirer vers le centre lumineux où chante Orphée dans une nature charmée où les animaux l'écoutent et où il nous invite à suivre sa main levée qui nous entraîne vers le frontispice et le Christ de la Résurrection.

De la même manière dans le tableau "Jupiter et Sémélé", remontions-nous des Enfers et des ténèbres vers le Dieu trônant dans le ciel.

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Si ce tableau parle de la Vie de l'Homme, avec ses ombres et ses lumières, il a pour Centre et pour Saint-Sacrement, la figure d'Orphée, drapé de rouge et chantant la nature et l'amour.

Chaque poète qui chante

Chaque homme qui aime

Chaque artiste qui peint

Redonne sens à la vie

A la sienne

Et à celle des autres


C'est pour moi le sens ultime de cette oeuvre...

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Vous pouvez la rencontrer au Musée Gustave Moreau, 14 rue de la Rochefoucauld, dans le 9ème arrondissement (métro Trinité)

Ouvert tous les jours : Lundi mercredi jeudi de 10h à 12h45 et de 14h à 17h15

Vendredi samedi dimanche de 10h à 17h15 sans interruption

Fermé le mardi

Entrée  5 € (pour une visite de la maison et des chefs d'oeuvre qui y sont exposés... pour une promenade contemplative dans l'univers de Gustave Moreau, tel qu'il était au moment de sa mort). 

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Liens : Gustave Moreau : 

Gustave Moreau. Prométhée foudroyé.

Gustave Moreau. Le christ et les deux larrons.

Gustave Moreau. Les rois mages.

Gustave Moreau. Jupiter et Sémélé. Musée.

 

Articles sur les peintres et personnages de Montmartre :

Liste et liens: Peintres et personnages de Montmartre. Classement alphabetique.

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Publié le par chriswac
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Parmi les peintres amoureux de Montmartre, Liudmila Kondakova a une place à part.

Ses vues de la Butte, ses visions, sont naïves et poétiques.

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J'ai lu sur je ne sais quelle page de la toile que cette artiste russe, née en 1956, était attachée au "détail", qu'elle était à la fois "réaliste" et "romantique".

Je ne suis pas du tout d'accord. 

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Prenons pour exemple cette vue de la rue du Mont-Cenis, avec à droite la place du Tertre.

Où est le réalisme?

Quiconque connaît un peu l'endroit sait qu'il est impossible de voir dans cette perspective la Tour Eiffel. Il faut descendre la rue et regarder sur la droite, dans le tournant pour la découvrir...

Il est encore moins possible de voir le Sacré-Coeur qui dans la réalité est plus vers l'est et en retrait!

Il est enfin impossible de voir sur la gauche des boutiques qui n'y sont pas!

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Et il en est ainsi pour la plupart des toiles de Liudmila. On y reconnaît Montmartre mais ce n'est pas le Montmartre des cartes postales et des cartes-mémoire.

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C'est un Montmartre habité par le rêve. Le rêve ou la rêverie.

C'est un Montmartre d'enfant et de poète.

Le Moulin rouge dont les ailes accrochent la lune apparaît sur cette toile tel qu'il était au début du XXème siècle... avec l'immeuble à tourelles disparu aujourd'hui, l'entrée du bal et la façade du music-hall...

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Les couleurs, la profondeur du ciel nocturne, le silence...

C'est un Montmartre paisible et déserté de ses habitants que nous découvrons...

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Ce silence et ce vide sont un des mystères et des charmes des représentations de Liudmila...

On y sent la vie et la présence malgré l'absence...

Les restaurants et les boutiques sont illuminés et accueillants...

Les tables recouvertes de nappes attendent les clients... 

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Parfois au loin se dessine une silhouette.

La pluie légère mouille les pavés et en font un miroir du ciel.

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Utrillo vient de tourner au coin de la rue. Un jeune peintre, un rêveur va bientôt passer...

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La ville est vide comme une église et habitée comme elle... 

On y entend le silence à peine effleuré par les notes lointaines d'un accordéon... 

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Par la simplicité et la précision du pinceau (et non pas le "détail") on peut penser aux peintres naïfs mais plus encore aux peintres d'icônes.

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Et c'est ce qui est le plus émouvant dans l'oeuvre de Liudmila Kondakova...

Elle peint Montmartre comme d'autres peignent, dans le silence des prières, les figures saintes et les anges.

De même que les icônes permettent de "voir" au-delà du visage divin une humanité sanctifiée, les toiles de Liudmila permettent de "voir" au-delà d'un Montmartre idéalisé, une ville en attente, une ville offerte à ceux qui veulent bien y entrer

S'asseoir aux terrasses vides

Marcher à l'aventure

Se laisser entraîner par la montgolfière du Sacré-Coeur vers le bleu sans limites du rêve...


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Liens peintres à Montmartre :

André Renoux. Peintre de Montmartre.

Montmartre. Peintre. GYM. Georges Michel.

Peintres et personnages de Montmartre. Classement alphabétique.

 

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                                          Paul Gavarni (1804-1866). Auto portrait.    

Il est jeune et beau quand il vient s'installer à Montmartre d'où il domine la plaine et ce Paris romantique dont il va être l'un des "reporters" les plus attentifs  : Paul Gavarni (de son vrai nom Guillaume-Sulpice Chevalier) a 25 ans lorsqu'il élit domicile avec sa famille au 33 rue des Rosiers.

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                                                            Rue des Rosiers 

La rue porte aujourd'hui le nom d'un autre Chevalier, François-Jean Lefebvre de la Barre, plus connu sous le nom de Chevalier de la Barre... 

Quand la rue portait encore le nom des Rosiers, elle fut le cadre de quelques-uns des plus sanglants épisodes de la Commune.

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                                                                   Rue des Rosiers 


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                                         Rue du Chevalier de la Barre (ancienne rue des rosiers)                                                                                                                                

En 1830, toujours sur la Butte, Gavarni va vivre 13 ter rue Ravignan....

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                                                      Le 13 ter rue de Ravignan

Le petit immeuble est construit à l'emplacement duTivoli. Gavarni y loue un local modeste, ancien vestiaire de l'établissement, avant de pouvoir, le succès aidant, changer d'étage et louer un appartement voisin de celui qu'occupe Alphonse Karr.

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                                                      Palissade à Montmartre. Gavarni.

Il fait des croquis du vieux village de Montmartre, dessins qui provoquent l'admiration des frères Goncourt :

"ses vues pittoresques du Montmartre presque sauvage d'alors, de ses bâtisses ruineuses, de ses maisons écroulées, des entrées suspectes de ses cavernes, des palissades et de ses terrains vagues, feront plus tard le fonds de ses lithographies."

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                                                     Gravure pour "La Mode" (Gavarni)

Quand il habite Montmartre, il a la réputation d'être un grand amateur de femmes. Son physique avantageux, sa chevelure romantique lui soumettent les corps et les coeurs. Il tient un compte précis de ses conquêtes dont il note le nom et les caractéristiques dans ses carnets.

 

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                                                              Balzac (Gavarni)

C'est alors qu'il habite Montmartre qu'il commence à fréquenter les salons où il se lie d'amitié avec Balzac, Hugo, Alexandre Dumas, Musset, Murger... avec Alphonse Karr qui est son voisin de la rue Ravignan.

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                                                    Victor Hugo (Gavarni)                                                       

Girardin l'engage pour collaborer à son Journal  la Mode. Le succès le rend ambitieux et Gavarni crée son propre journal : Le Journal des Gens du Monde. Mais c'est un échec, et criblé de dettes, il se retrouve en prison, rue de Clichy.

Après cette expérience malheureuse il préfère participer aux journaux des autres! Parmi lesquels La Silhouette, La Caricature, Le Charivari...

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                                                          La grisette (Gavarni)                                             

Les Physiologies étaient un exercice littéraire à la vogue dans la première moitié du XIXème. Gavarni participe à plusieurs, dont les deux plus célèbres sont celles de la Grisette et celles de la Lorette.

Grisettes et Lorettes sont venues jusqu'à nous en partie grâce à ses croquis et à ses dessins.

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                                                            Mimi Pinson (Léandre)

Les grisettes... nombreuses sur la Butte sont des jeunes femmes de milieu modeste, accueillantes aux hommes sans être vénales. Leur nom leur vient de la casaque grise et bon marché qui couvrait leurs épaules.

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                                                  Maison de Mimi Pinson, rue du Mont-Cenis

Le nom apparaît dès le XVIIème siècle mais c'est l'époque romantique qui le met à la mode, avec Musset notamment et sa Mimi Pinson de Montmartre :

"Mimi Pinson est une blonde                                                                                            Une blonde que l'on connaît                                                                                            Elle n'a qu'une robe au monde                                                                                         Et un bonnet (...)"  


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                                                          Physiologie de la lorette (vignettes de Gavarni). En couverture la citation d'un anonyme ! "La tante en permettra la lecture à sa nièce."


La Lorette nous fait descendre de la Butte vers le quartier très recherché de la Nouvelle Athènes où l'église Notre-Dame de Lorette donne leur nom à de jeunes élégantes, plus riches et plus vénales que leurs consoeurs montmartroises. Ces demi-mondaines seront décrites par Balzac...

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                                1 rue Fontaine. Appartement de Gavarni au 1er étage 

....et Gavarni n'a pas une grande distance à parcourir pour les "croquer" quand il quitte la Butte pour habiter de 1837 à 1846 au 1 rue Fontaine.

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Un peu plus tard, il se rapproche encore de ces dames en habitant 60 rue Saint-Georges. Un monument à sa gloire a été élevé sur la place. Gavarni est tourné vers l'immeuble où il a vécu, comme s'il tenait à passer son éternité de pierre dans ce quartier dominé par la Butte et à oublier Auteuil où il s'était exilé dans les dernières années de sa vie et où une rue porte son nom.

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Liens : Liste et liens: Peintres et personnages de Montmartre. Classement alphabetique.

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Quelques citations de Paul Gavarni :

"Le hasard seul est merveilleux parce qu'il est inintelligent."

"Si on se querellait avec tous les amants de sa femme, on n'aurait jamais d'amis."

"L'homme est le roi de la création. Qui a dit cela? L'homme."

"Si on avait assez de fonds pour acheter toutes les consciences ce qu'elles valent et les revendre ce qu'elles s'estiment, ça serait une belle affaire."

"La charité est un plaisir dont il faut savoir se passer."

"Pourquoi mépriser les prostituées? Ce sont des femmes qui gagnent à être connues."

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Pour compléter l'article ( Poulbot. Panneaux décoratifs) consacré aux remarquables céramiques de Poulbot,  rue Damrémont, quelques photos récentes.....

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Le mur droit (en entrant) est consacré à l'hiver et à l'automne....

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On reconnaît ici la rue Saint-Vincent et le Lapin Agile....

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rue Cortot...

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Les palissades du maquis...

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Le Moulin de la Galette...

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Le Maquis et la Tour du Philosophe...

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La maison de Roze de Rosimond (actuel musée de Montmartre)...

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Les jardins sauvages, aujourd'hui square Louise Michel...

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Liens Poulbot :

Poulbot. Panneaux de Faïence. Rue Damrémont. Montmartre.

Poulbot. Jeunesse. Débuts.

Poulbot. Maturité. Succès. Les Gosses. (2)

Poulbot. Engagement social. Petits Poulbots. (3)

Poulbot. Dessins. Esquisses. Début. Avant 1910.

Poulbot. Poil de carotte. Illustrations. (1)

Poulbot. Poil de Carotte. Illustrations. (2).

Poulbot. Dessins. La Maternelle de Léon Frapié. (1)

Poulbot. La Maternelle de Léon Frapié. Dessins (2)

Poulbot. Dessins enfants. Chansons de Bruant.

 

Liste et liens: Peintres et personnages de Montmartre. Classement alphabetique.

Rues de Montmartre. Classement alphabétique.

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C'est une des toiles les plus connues de Gustave Moreau, une des plus mystérieuses et des plus accomplies.

Elle attire et fascine. Elle séduit et questionne.

Il en est de cette oeuvre comme de tous les chefs d'oeuvre, il faut l'approcher et se laisser entraîner dans son mystère.

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Moreau s'inspire de l'amour tragique de Sémélé et de Jupiter. Junon, épouse éternellement jalouse, prend les traits de la nourrice de Sémélé pour la persuader de demander à son amant, comme preuve d'amour, de lui apparaître, non plus sous sa forme humaine mais dans sa gloire divine, sachant que nul ne peut supporter cette vue. Sémélé fait promettre à Jupiter de répondre à un voeu qu'elle formulera. Le dieu amoureux accepte sans se méfier et ayant donné sa parole doit s'éxécuter. Il se révèle dans sa puissance qui foudroie l'imprudente amoureuse.

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Au sommet de la toile, Jupiter, le visage grave, le regard fixe, trône, la tête rayonnante de flammes. Il ressemble à une divinité de l'hindouisme, au sommet des tours de pierres sculptées.

Il a les traits d'un jeune homme, d'un prince oriental et non de l'homme mûr et barbu que la tradition lui prête. Il est à la fois Jupiter, Apollon, Orphée et le Christ.   

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Sémélé saisie d'effroi est touchée à mort. Son corps en équilibre sur la jambe puissante du dieu se courbe, sa main droite s'accroche au vide. Elle perd la vie et elle perd l'amour qui lui donnait sens.

Un ange devant elle plane au-dessus du monde en se cachant les yeux.     Il est l'ange de l'amour et le fruit de l'amour.

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Il est l'enfant que Sémélé portait en elle, le fils que le dieu a arraché du flanc de sa mère afin de le sauver et de le protéger dans sa cuisse afin qu'il y termine sa maturation.

C'est Bacchus, fils de l'amour de Jupiter et Sémélé.

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Au pied du trône, devant l'aigle aux ailes dressées, "véhicule" de Jupiter, comme Garuda est "véhicule" de Vishnu, le dieu Pan est assis, avec entre ses jambes une semence de petits êtres blancs qui cherchent à se dégager de leurs liens.

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Pan entre Jupiter qui a la tête dans le ciel et Hécate au bas du tableau, se tient, grave et attentif, entre le monde de la lumière et celui de la nuit. Il est avec ses instincts de vie dans un corps encore animal, le témoin des hommes confrontés au désir et à la souffrance.

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A sa gauche se tient la Douleur, couronnée d'épines comme le Christ, une palme à la main. Elle est l'allégorie de la condition de l'humanité, le passage inéluctable. Son aspect christique donne une indication sur le sens profond du tableau. Ce passage peut être un passage vers une vie supérieure, vers ce ciel où rayonne le visage de la divinité. 

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A la droite de Pan, la mort drapée de violet tient le glaive sanglant. Elle ne triomphe pas, bien au contraire, elle est accablée, comme prise de compassion pour les humains qu'elle est chargée de tuer.

C'est une belle allégorie éloignée de la "Proserpine" antique et du squelette médiéval. C'est la mort telle qu'on la trouve sur les monuments funéraires de la fin du XIXème siècle. 

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De part et d'autre, debout, les ailes montant comme des flammes, la tête penchée vers les êtres souffrants, veillent les anges douloureux...

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Ces anges debout entre l'enfer et le ciel ont pour pendant, au bas du tableau les deux sphinx qui gardent le monde des ténèbres.

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Hécate, couronnée d'un croissant de lune se détache sur un univers indistinct d'ombres et de visages vagues ou inachevés. Son regard halluciné suscite l'effroi. Il s'oppose au regard du Dieu, au sommet de la toile. 

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 Les êtres de l'enfer sont pris dans un grouillement où se mêlent les teintes sombres qui attirent vers le fond et les rayons qui tentent de percer les ténèbres.

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En bas et au centre de la toile, trois créatures monstrueuses forment une trinité coiffée d'un rayonnement qui éclate dans cet univers de nuit...

Ce lourd rayonnement au pied du dieu Pan fait remonter le regard du spectateur vers l'autre rayonnement divin, en haut de la toile.

Et c'est ainsi qu'après avoir été, au premier regard, saisi par le couple Jupiter-Sémélé, après avoir parcouru la toile pour en atteindre le "fond" (comme on parle de fonds sous-marins), on comprend que c'est en remontant vers le ciel  de la toile qu'il faut voyager dans ce tableau.

De la nuit vers l'éternité céleste. 

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Au bas de la toile : le  monde encore informel, incréé, où des créatures incomplètes aspirent à la lumière.

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Au-dessus : le monde de l'humanité où douleur et mort sont présentes mais où la mort n'appartient plus aux enfers.

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En haut : Le couple céleste, le monde spirituel qui échappe au temps et ouvre les yeux sur l'éternité.

C'est alors que l'on se rend compte que le corps pâle de Sémélé qui semblait attiré par la pesanteur de la mort, garde la souplesse de la vie, se redresse peut-être, la mort franchie, pour rejoindre son amant éternel, pour devenir le lys qu'il tient dans sa main droite tandis que sa main gauche caresse la lyre d'Orphée.

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Il faut se laisser happer par ce tableau, en accepter les ombres et les lumières, en accepter le mystère.

Tout l'appareil critique, toutes les explications sont utiles mais réductrices.

Chacun l'interprétera comme il le ressentira.

Ce qui compte c'est la présence, l'évidente présence du peintre et du poète, de celui qui donne forme à la matière.

On est devant ce tableau comme au pied des temples de Maduraï ou des tours des cathédrales.

Croyant ou pas, on est impressionné par sa force et son mystère... 

Par la puissance de l'Art qui comme l'Amour est capable de triompher un moment (ou toujours ?) de la Mort.

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      La toile est visible dans le très beau musée qu'est la maison de Gustave Moreau, 14 rue de la Rochefoucauld, dans le 9ème arrondissement. (Métro Trinité, Saint-Georges, Pigalle)


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Autres articles sur Gustave Moreau : Liens :

 Prométhée foudroyé Gustave Moreau

Les rois mages Gustave Moreau.

Le christ et les deux larrons.Gustave Moreau.

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Tous les articles sur les peintres et les artistes de Montmartre :

Liste et liens: Peintres et personnages de Montmartre. Classement alphabétique.

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                                                Delacroix : La Mort de Sardanapale.

      Jacques Brissot aime s'inspirer des chefs d'oeuvre de la peinture. S'il a une prédilection pour Bosch ou Memling, il ne dédaigne pas les Romantiques et c'est Delacroix qu'il prend pour modèle pour son "Sardanapale" que vous pouvez voir au Musée de l'érotisme, boulevard de Clichy, où une exposition lui est consacrée

Le tableau de Delacroix a pour titre : "La mort de Sardanapale" et représente le suicide du roi assyrien avec ses femmes, ses favorites, ses esclaves et ses chevaux, après sa défaîte et l'incendie de Babylone. 

 

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                                                     Jacques Brissot : Sardanapale.

   Jacques Brissot qui fut lui-même cinéaste, enlève "la mort" de son titre pour représenter Jean-Luc Godard avec autour de lui l'univers qu'il sacrifie, tandis qu'à l'arrière plan ce n'est pas Babylone mais les studios d'Hollywood qui sont en feu !

   S'il est peut-être fait allusion au côté despotique du cinéaste, cet anéantissement programmé de son oeuvre et des femmes et des hommes qui y ont participé, résonne plutôt, du moins est-ce ainsi que je le ressens, comme un adieu à une époque où le cinéma était exigence et audace, où l'artiste était à la fois démiurge et iconoclaste.

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                       Détail de "l'Entrée des Croisés" de Delacroix vus par Godard (Passion). On reconnaît, à droite Myriem Roussel.

        Notons que Godard lui-même dans son film "Passion" met en scène des oeuvres célèbres de la peinture : La ronde de Nuit de Rembrandt, le 3 mai de Goya ou l'Entrée des Croisés à Jérusalem de Delacroix...

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Au sommet de la composition de Brissot, allongé sur le lit, pellicules dans une main, verre levé dans l'autre, Godard-Sardanapale, le coude et le pied appuyés sur les bobines de ses films, assiste à l'anéantissement...

Les têtes d'éléphant aux angles du divan de Sardanapale deviennent ici des têtes de Mickey...

Devant lui, bras ouverts et mourante, une des femmes du roi...

J'hésite sur son identité. Le visage n'est pas vraiment net. Je pencherais sans en être absolument certain pour Marina Vlady qui joua un rôle de femme qui se prostitue par nécessité dans "Deux ou trois choses que je sais d'elle". 

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               Bardot est représentée, au premier plan, dans un groupe qui reproduit avec exactitude celui qui a été peint par Delacroix. Eddie Constantine (Alphaville) s'apprête à sacrifier l'héroïne du Mépris (chef d'oeuvre entre les chefs d'oeuvre, film mythique, apothéose de Bardot).

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Au centre, coiffée à la Louise Brooks de "Vivre sa Vie", Anna Karina, première épouse de Godard.

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A droite, Juliette Binoche (Je vous salue Marie), Maruschka Detmers (Prénom carmen) et sur le côté Anne Wiazemsky (la Chinoise, Week-End, One plus One), deuxième femme de Godard.

    Au fait n'oubliez pas de lire son dernier livre "Une année studieuse"dans lequel elle parle avec tendresse et lucidité de cette période de sa vie et où elle dépeint un Godard passionné et jaloux, insupportable et adolescent...

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A droite d'Eddie Constantine, Johnny Hallyday (Détective) et Michel Piccoli (Le Mépris) près de la tête de ce Mickey si présent dans l'oeuvre de Brissot pour qui notre monde est en passe de devenir un immense Disneyland.

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      Au premier plan à gauche, à la place de l'esclave qui tire les rênes d'un cheval cabré, Belmondo, le visage bleu de "Pierrot le Fou" essaie de manoeuvrer une caméra de travelling.

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Au-dessus, Jacques Dutronc (Sauve qui peut la vie) et Jean Seberg (A Bout de Souffle)..

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Près de Godard, juliet Berto (la Chinoise) et de profil Macha Méryl (Une Femme  Mariée)...

Tout ce monde est en train de sombrer avec les bobines des chefs d'oeuvre fragiles.

Sept  ans après ce tableau de Brissot, un autre naufrage a lieu sur les récifs de l'île de Giglio, celui d'un navire de croisière avec ses salles de jeux, de cinéma, de théâtre...

Le Costa Concordia sur lequel Godard a tourné "Film Socialisme". Son dernier film.

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